Un clásico que sigue vigente

Las mujeres de Barranco es uno de los clásicos del teatro argentino, publicado a principios del siglo XX por prestigioso Gregorio Laferrer, esta comedia tragicómica adaptada y dirigida por Silvia Di Scala consigue resultar contemporánea y logran la empatía de un público que celebra con risas y aplausos la suma de talentos.

Doña María –viuda de Barranco- ha quedado al cuidado de sus tres hijas con una insuficiente pensión y las apariencias que guardar, María hará uso de los encantos de sus hijas (en especial Carmen, la más agraciada) y cualquier técnica manipulatoria con el objetivo de asegurarse un buen porvenir y permanecer en su estrato social.  Sin embargo nada resultará tan fácil, ni como ella lo esperaba.

La clave del éxito de esta gran versión de Di Scala radica en una excelente adaptación y en la dirección de los actores y la verdad que consiguen con sus interpretaciones.  Un grotesco, donde cada personaje va ganando al público y logra conmoverlo, resultando entrañables y graciosos.  Además el  vestuario y la escenografía realizados por Andrea Loreti consiguen adentrarnos en ese universo tan particular.

La platea se ríe a carcajadas con las interpretaciones algo disparatadas, al tiempo que se permiten reflexionar y conmoverse con la historia de fondo que también la convierte en una historia moderna donde se aborda la soledad, el sometimiento, la desesperanza, la mirada del otro y el rol de la mujer que en cierto punto, a veces parece ser que tanto no se ha modificado, en especial cuando se trata de mandatos y prejuicios.

El talentoso elenco está compuesto por Leticia Rodríguez, Micaela Goyena, Tamara Bisignano, Pula Calleja, Andrea Loreti, Viviana Chica, Santiago Rodriguez, Carlos de Pratti y Marcelo Altable, quienes lograron formar un sólido equipo actoral sobre el escenario con una verdad que proviene de sus desbordes pero tan profundos como reales, porque en definitiva no somos perfectos pero como dice la canción “todo lo que necesitamos es amor…” y esa es una verdad universal que termina por obtener la empatía del público que se retira agradecido entre risas, aplausos y por qué no, algo de emoción.

Cantando…un espectáculo para disfrutar en familia

El gran clásico infantil de Hugo Midón y Carlos Gianni, galardonado con el Premio Estrella de Mar al Mejor Espectáculo Infantil 2017, es un verdadero placer de los sentidos.  Cantando sobre la mesa es un espectáculo para toda la familia, donde a través de la imaginación y canciones infantiles de todos los tiempos los actores y el público se convierten en cómplices de historias llenas de color y música donde niños y adultos se permiten jugar por igual.

Cecilia – caramelito – Carrizo quien lleva años trabajando en infantiles con gran éxito  y  Martin Ruiz actor con mucha experiencias y reconocimientos en el teatro musical protagonizan la obra y conforman un gran trío lúdico junto a un entrañable Juan Manuel Besteiro (actor y bailarín) y entre los tres llevan al público por viaje de aventuras,  risas y recuerdos.

Se trata de una producción integral del Teatro Municipal Coliseo Podestá que se presenta a través de la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Plata y de La Plata Ciudad Cultural.

Nico Serraiti, Bertonazzi Laura, Ayelen Godoy y Nico Acosta completan el sólido elenco y el show suma en efecto por la orquesta en vivo conformada por Joaquín Pérez, Juan Cristóbal Sleigh, Euge Masa y Hernán Matorra.

La obra que cuenta con la dirección musical de Hernan Matorra y la puesta en escena, coreografías y dirección general de Gaston Marioni es una obra infantil con actores con mucha pisada escénica, donde todos a través de esta muy lograda puesta logran que los espectadores canten y bailen con sus canciones.

El diseño de vestuario es de María Cristina Di Bártolo y el diseño de escenografía, de Pi Urruty apuestan al color y alegría donde con elementos muy coloridos y logrados se consigue un mundo de fantasía que acompaña este mágico espectáculo.

Cantando bajo la mesa en un gran espectáculo infantil del que disfrutará toda la familia.

Cosa de... humor para todos

Cosa de minas es el unipersonal de Dalia Gutmann que retrata con gran histrionismo y humor el universo femenino; curiosamente una radiografía de la que se ríen hombres y mujeres por igual. 

Ellas por verse reflejadas en cada monólogo, donde cada grupo de amigas – porque vale aclarar que la mujeres van en grupo a mirarse en ese espejo – se identifica y se ríe a carcajadas en el intento de buscar los roles de cada una.  Mientras que ellos casi se sienten comprendidos y entusiasmados por haber descubierto algo más del universo que tanto los apasiona y los confunde.

Dalia Gutmann locutora y humorista consigue captar y sumar complicidades y risas durante todo el espectáculo.  Con su estilo natural y descontracturado se va ganando cada aplauso de un público que agradece poder reírse de sí mismos.  De los rótulos, los vaivenes emocionales, los vínculos y todo aquello que rodea el universo de lo cotidiano pero que Gutmann logra convertirlo en divertidos monólogos de humor.  La actriz encontró hace años un camino en el stand up que parece no tener límites.

Cosa de minas el espectáculo que surgió en 2011 como un modo de brindarle voz a las mujeres humoristas desde un lugar nuevo, fue mutando y en la actualidad ha sumado elementos audiovisuales y hasta una modesta escenografía.  Sin embargo sin lugar a dudas, la clave del éxito es Dalia Gutmann y su gran don para hacer reír con escenas cotidianas.

 

Falso Vivo; humor zombie

 

El espectáculo interpretado por Gastón Fumo, dirigido por Carlos Belloso y escrito por ambos, junto a Alaleh Nejafian descolla con las risas del público cada Jueves a las 23hs en La Bancaria (San Luis 2069).

Falso Vivo que ha ganado el Premio Estrella de Mar 2016 como Mejor Unipersonal de Humor, cumple su cuarta temporada contando la historia de aquellos que no están vivos ni muertos, es el estado del falso vivo, aquellos que producto de una gran exposición a los medios, viven en diferido.

Partiendo de esta metáfora Gastón Fumo hace un desopilante y talentoso despliegue sobre el escenario, en un unipersonal que utiliza el humor para reflexionar y reírse sobre la sociedad actual mas preocupada por vincularse con una pantalla que por vincularse entre sí.  El histriónico actor transita por diversos personajes casi en un homenaje al humor negro.

La dirección que está en manos del reconocido  y talentoso Carlos Belloso, denota el gran conocimiento de Teatro Off, un medio en el que sabe como lucirse y como brindar con este espectáculo una gran expresión de un teatro con sello propio.

Falso Vivo, celebra cada jueves con risas y aplausos, una vida que no debemos esquivar y dejar de lado.  Falso Vivo se ríe de lo políticamente incorrecto, Falso Vivo nos invita a vivir el aquí y ahora.

Erotai; amor por la Danza

Montserrath Oteguí es sin lugar a dudas el nombre de la Danza en Mar del Plata; la talentosa y reconocida bailarina y coreógrafa presenta Erotai, su nuevo espectáculo que acaba de ser nominado al Premio Estrella de Mar, como Mejor Espectáculo de Danza.

Erotai es un término que significa interrogarse y en este caso, Montserrath decidió interrogarse acerca del Amor, como base fundamental de todo.  La necesidad humana de reencontrarse con el otro, la importancia de la individualidad, las almas gemelas.  Todos interrogantes surgidos a partir de una profunda investigación usando de guías a Aristóteles y Platón.

En su decimo aniversario, la compañía de baile fundada por Oteguí no deja de cosechar laureles, reconocimientos y premios.  La exitosa bailarina y coreógrafa recibe este año una vez más la nominación a los Premios Estrella de Mar y cabe recordar que en 2015 ha recibido reconocimientos a su trayectoria tanto en los Premios Enrique, como por parte del Honorable Concejo Deliberante de nuestra ciudad. Además viene de recibir el premio Lobo de Mar 2016.

Montserrath Oteguí en su nuevo trabajo, reflexiona sobre el amor porque ella bien sabe del tema, dado que lleva una vida dedicada a la danza, donde con mucho amor presenta cada año una propuesta cuidada y con mucho trabajo donde nos invita a seguir reflexionando sobre la naturaleza humana.  La reconocida bailarina y coreógrafa que hace diez años eligió radicarse en Mar del Plata y apostar a la danza, renueva su amor por la danza y por el público en cada espectáculo.

Erotai, se compone de catorce cuadros y cada uno de ellos comienza con un poema introductorio que sirve para amenizar y poner en tema a quienes no están tan familiarizados con la danza.  El ballet integrado por Angeles Pagella, Brian Hilario Celaya, Cristian Antún, Florencia Morcia, María del Mar Videla, María Luisa Casariego  y la misma Montserrath Oteguí, consigue emocionar y conmover al público con su talento a través de cada uno de los cuadros. 

El vestuario confeccionado por Olga Saidán realmente merece ser destacado, ya que suma en estética y sofisticación.  El diseño de luces de Gustavo Martincic potencia el trabajo interpretativo logrado sobre el escenario. Además, desde bambalinas, Sergio Morale acompaña el trabajo de la compañía como asistente de dirección.

Montserrath Oteguí demuestra una vez más porque es el nombre de la Danza en Mar del Plata, la compañía homenajea en estos diez años, la entrega y el amor en función de la danza y un trabajo constante.  Amor es danzar, amor es el arte, amor es la entrega, amor es EROTAI.

Favio Posca, un rockstar de la escena teatral

 

El talentoso artista marplatense se ha convertido a lo largo de los años en una pródiga usina de arte donde el humor y la provocación son las herramientas de las que se vale para hablar sobre el comportamiento humano y tocar temas como la sexualidad, la soledad, las adicciones, la locura y el amor.

Fucking Fucking Yeah Yeah es el octavo unipersonal de Favio Posca, quien escribe sus propios espectáculos, los dirige, actúa y compone la música.  Cada espectáculo es una sorpresa, una puesta en escena deslumbrante, provocadora y con mucho humor.

Favio Posca, es un verdadero rockstar de la escena local, un cabal provocador y en esta ocasión se atreve al doblete, ya que se presenta con Fucking… los martes en el Roxy de Mar del Plata y los fines de semana en el Paseo La Plaza, consiguiendo un éxito de salas llenas en ambos casos.

Fucking es un gran espectáculo de humor, donde realiza un recorrido por sus entrañables personajes como el Perro, Astroboy y Angelito.  Además presenta nuevos y marginales personajes y hasta un culo que toca la armónica.  Posca redobla la apuesta y su público siempre agradece porque se divierten y muchas veces se identifican con estos personajes que no son perfectos  ni pretenden serlo.  Sin embargo su público agradece, la apuesta, el mensaje y la entrega con gran ovación.

Favio Posca realiza una vez más un despliegue de talento sobre el escenario, con una puesta en escena potente, acompañado por un diseño audiovisual de la mano del Estudio Lacroix, la dirección musical de Martín Bosa y un gran diseño de luces. 

Fucking… como predica el espectáculo, es un concepto, una forma de vivir la vida “de hacer la plancha  en la tempestad confiando en que el mar te puede sacar” y finalmente se trata de eso; de vivir la vida más relajados, de bajar un cambio y reírnos un poco de nosotros mismos y los personajes imperfectos que somos, y en lugar de lamentarnos tratar de aceptarnos y reivindicarnos. Fucking Fucking Yeah Yeah!!!

Pobrecito… Un recorrido emotivo y espiritual

 

Mariano Moro el prolífico director y dramaturgo malplatense, se presenta como cada año en la ciudad que lo vio crecer con lo mejor de sus obras.  En esta ocasión presenta Pobrecito – con las virtuosas actuaciones de Patricio Paz y José Toccalino - la última de sus creaciones, una obra sobre la vida de San Francisco de Asís que reafirma una vez más su gran fascinación por las historias religiosas (Teresa y Jesucristo), de grandes personajes (como Cleopatra y Alfonsina…) y sobre el Siglo de Oro español (Quien lo probó… y la Dama boba).

Pobrecito refleja el recorrido espiritual y de iluminación que transitó San Francisco de Asís y como fue modificando a cada persona que se cruzó en su camino, en su búsqueda de una vida sin bienes materiales, sin más riqueza que su vida, su alegría y su vocación cristiana.

En un momento donde prevalece la primacía de la imagen y los bienes materiales, Pobrecito es una invitación a tener fe, un recorrido espiritual que no necesariamente tiene que tener base en la religión, sino mas bien en un amor por el prójimo, donde la empatía sea un bien común.

Patricio Paz encarna con gran histrionismo y luminosidad a San Francisco de Asís, una calidez en su franca sonrisa y una verdad en su mirada que va convenciendo al público a medida que avanza la obra.   José Toccalino, interpreta con gran soltura y oficio al resto de los personajes que se van cruzando en la vida de San Francisco; su padre, el obispo, un leproso, el sultán, un lobo y todos quienes se vieron transformados por la prédica del Santo.  Ambos realizan un trabajo prodigioso en escena, donde le ponen alma y cuerpo a esta historia y van invitando a los espectadores a su recorrido luminoso y que el público agradece.

La dirección de arte y vestuario en manos de Silvina Zorzolli y la escenografía de Matías Ledesma, le dan el marco estético necesario para contar esta historia a modo de fábula.

Mariano Moro que sabe de grandes historias y personajes que deben realizar heroicas tareas, hoy se encuentra en una de ellas, dirigiendo el Teatro Auditorium luego de la salida de Marcelo Marán.  El talentoso director y dramaturgo demuestra paso a paso que aún tiene mucho por mostrar y está feliz de compartirlo con la ciudad que lo vio nacer.

 

 

Cuando el Caos no es improvisado

 Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila son los maestros del humor improvisado y se reunieron esta vez en una propuesta diferente.  Caos es el nuevo espectáculo de la compañía teatral Improvisa2, una opción distinta que además cuenta con la participación de Agustín Barovero como actor invitado.

Caos es una comedia basada en la teoría del caos, se trata de historias que parecen no relacionarse y sin embargo, se terminan vinculando a partir de las acciones de sus protagonistas, reafirmando la teoría de los seis grados y el hecho de que en realidad cada decisión que tomamos modifica irremediablemente nuestra vida y la de otros.  Sin embargo como corresponde a esta compañía humorística, todo será en clave de humor. 

Se trata de un grotesco, con personificaciones disparatadas y la participación de Barovero que irá representando una especie de maestro de ceremonias que irá relacionando las diferentes historias.

Improvisa2 se presenta en su decimocuarta temporada, casi como un sello de teatro de estival dado que Mar del Plata ya los adoptó y hasta tienen un club de fans aquí.  Porque Improvisa2 es un trío de artistas egresados de la Escuela de Arte Dramático, inquietos y profesionales del humor que sorprenden cada año con nuevas propuestas de alta calidad.  

Caos fue escrita por Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila; la dirección de Matías Purichelli consigue una puesta en escena con toda la potencia humorística de Improvisa2 pero a su vez con elementos audiovisuales que suman y aportan al relato, responsabilidad de Jilian Baquero, la música original de Facundo Salas, la escenografía de Lula Rojo; el vestuario de Paula Bianchini y  la iluminación de Adrián Manes le terminan de dar brillo al espectáculo.

El grupo Improvisa2 sigue apostando a la formación y producción de espectáculos diversos, brindando a los espectadores la posibilidad de divertirse pero siempre con nuevas propuestas cargadas de trabajo y talento de un compañía que forjó su reconocimiento y trayectoria a puro talento .

Esperando...Un clásico que sube la apuesta

Esperando la Carroza se ha convertido en la apuesta fuerte del verano en el Teatro Auditorium, presentándose en la Sala Astor Piazzola de jueves a domingos a las 21hs.  Se trata de una coproducción del Ministerio de Gestión Cultural de la Provincia de Buenos Aires y el Teatro Nacional Cervantes.

La obra fue escrita en 1962 por el gran dramaturgo Rumano-Uruguayo Jacobo Langster, quien escribió otros textos inolvidables que también fueron llevados a la pantalla grande con éxito como en el caso de Besos en la frente y Darse Cuenta.  Sin embargo Esperando la carroza se convertiría no sólo en un gran éxito de taquilla sino en un emblema de la sociedad argentina, representando mediante un grotesco criollo, a la clase media en sus contradicciones e hipocresías.  Alejandro Doria supo inmortalizar en su versión cinematográfica en 1985 con actuaciones que han quedado de modo indeleble en el inconsciente colectivo argentino, a partir de las magistrales actuaciones de todo el elenco y en particular de Brandoni y China Zorrilla que perpetuaron las expresiones de los ravioles y las empanadas.

Menuda tarea la de Leonor Manso - directora del espectáculo – de representar un espectáculo tan querido y recordado por el público pero en una versión teatral que contara su propia mirada.  Sin embargo la talentosa actriz y directora teatral salió airosa del desafío demostrando una vez más su talento arriba y abajo del escenario.

La obra sorprende con un elenco mixto que logró conformar un conjunto de actuaciones sólidas, con figuras destacadas de la escena porteña como Gonzalo Urtizberea, Ingrid Pelicori, Marcelo Mazzarello, Viviana Saccone y Malena Solda y grandes actores de la escena marplatense como Hilda Marcó (Mamá Cora), Gustavo Fraga, María Tití Guerra, Andrés Zurita, Mauricio Juanes, Melissa de Miguel, Victoria Gil Gaertner, Pula Calleja, Nancy Díaz y Florencia Demarchi quienes fueron elegidos por la directora en el marco de un casting de 200 audiciones.

Manso consiguió realizar una puesta en escena que siguiera resultando de fácil identificación y por consiguiente resultara divertida y emotiva, pero al mismo tiempo despegarse – en la medida de lo posible – de la versión cinematográfica.  Para lo cual se valió de la veracidad de sus actores, en especial de las actuaciones de Viviana Sacone como Nora y Marcelo Mazzarello como Sergio, ambos se lucen en esa cualidad de parecerse y distanciarse al mismo tiempo, casi como una parodia de sí mismos (respondiendo al grotesco).  Cabe aclarar que todas las actuaciones son de gran calidad, cada uno aporta su talento y eso resulta es un espectáculo que el público agradece con risas y aplausos.

René Diviú realmente se luce con el diseño de una escenografía imponente y despampanante, y un diseño de vestuario a la altura de la ocasión.  El reconocido escenógrafo – que ha trabajado con Cibrián y Mahler - bien sabe de super producciones y acá pone todo sobre el asador.  El diseño de luces de Leandra Rodríguez y la música de Luis Reales también suman a una producción que se nota, se cuidó al detalle.

Esperando la carroza es una puesta en escena donde se evidencia el gran trabajo de equipo de todos los que participan en su realización, donde cada función es una celebración y donde el público se divierte, se ríe con una letra que ya conoce casi de memoria pero con un elenco que le suma otra mirada, su verdad.  Un espectáculo donde la sociedad se refleja y se ríe de sí misma mientras que reflexiona sobre sus contradicciones, abandonos e hipocresías.  En definitiva, Esperando la carroza es un clásico que vale la pena ver, en esta nueva y bella puesta en escena.

 

Ahora...Homenaje al teatro del pueblo

Ahora, es un verdadero homenaje a la Comedia dell´arte aquel teatro italiano de mediados del siglo XVI donde prevalecían la improvisación y las características carnavalescas venecianas para dar lugar a un teatro de historias breves, de enredos pero sobre todo un teatro buscaba la risa de su pueblo.  Las historias si bien se improvisaban, estaban basadas en temas básicos en general acerca del amor y sus desencuentros pero variaban de pueblo en pueblo.  Y de esta premisa se vale Marcelo Savignone para realizar el homenaje que se modificará ante cada función por obra y gracia del público, porque antes que nada la Comedia dell´arte es un teatro popular.

Marcelo Savignone el actor, dramaturo y músico además en ésta ocasión se suma en concepto e idea a Alfredo Iriarte  (además escultor de las máscaras) y a Victor Malagrino músico y actor para juntos realizar un viaje místico por la improvisación a través de la música y lo más ancestral del teatro.
Las historias se irán tejiendo con el público que atento se ríe sin perder el hilo de la improvisación, mientras que Savignone deslumbra con su histrionismo para pasar de un personaje a otro con tremenda soltura y que cada uno cobre su impronta desde la voz y los gestos.  En esta ocasión además le suma su costado de músico a través de canciones y una voz afinada y trabajada que sorprende a más de uno.

Victor Malagrino músico y actor, viene realizando un largo viaje que comenzó desde la música pero que pronto descubriría que tendría mucho más para expresar a través de la actuación.  Habiendo compartido con Savignone la compañía teatral Sucesos Argentinos en el año 1999, el músico de Ambulancia se sumó al proyecto y AHORA le suma todo su talento como músico que sabe desenvolverse en la improvisación para sumar al relato que juntos van delineando en escena.

Al gran trabajo de improvisación, música y máscaras se suma un trabajo de objetos y caracterizaciones a través de los títeres de la mano de Gabriela Guastavino y Alfredo Iriarte.  La iluminación de Ignacio Riveros, la escenografía de Mirella Hoijman y el vestuario de Mercedes Colombo completan un homenaje a todo talento.

Marcelo Savignone y Victor Malagrino, consiguen una sinergia de quienes se conocen de hace tiempo y pueden improvisar al unísono.  El homenaje a la Comedia dell´arte  consigue como teatro del pueblo su ansiado premio,  los aplausos y las risas de un público que se despide hasta la próxima aventura.

¿Y Ahora? ¡A reírse!

 

Ariel Tarico - humorista, imitador y dibujante -  propone con este espectáculo un recorrido por la actualidad a través del humor, que nos permita reírnos de nosotros mismos. 

¿Y Ahora? es una duda en sí misma, la obra estrenada en 2015 en el marco de un año electoral sigue vigente, donde la incertidumbre del panorama político tanto nacional como global, nos obliga a cuestionarnos y reflexionar, pero en éste caso a través de la risa.

El humorista santafesino recientemente premiado en 2016 por su tarea humorística en TV, en ésta oportunidad se reunió con el músico y humorista David Rotemberg y juntos realizan un disparatado y divertido espectáculo que bajo la dirección de Carlos Signetti logró una gran fórmula, en donde el trabajo de ambos humoristas se potencia sobre el escenario y se redime en las risas de un público que se suma al juego.

Ariel Tarico se luce a través de la representación de sus personajes, los que el público celebra con aplausos incluso antes que comiencen a hablar, es que se trata de un talento enorme a la hora de imitar, basta solo una mirada, un gesto,  para que el espectador lo vea venir y ya sonría.  Por medio de los sketchs se van presentando los diversos y heterogéneos personajes entre los que se destacan, Néstor K, Hugo Moyano, Diego Maradona, Daniel Scioli, Santiago del Moro y la señora de los almuerzos.

David Rotemberg le suma risas al espectáculo con sus monólogos y el humor de actualidad a través de las canciones, parte del trabajo que realiza en radio La Red en donde también ha recibido el premio Martín Fierro como mejor labor humorística 2002.

Lucas Rodriguez, es el encargado de realizar la magia de la caracterización y su talento luego se luce de la mano de Tarico, que logra darle vida y hacerle honor con cada interpretación.

Luego de Cazuela de Taricos y El Multipersonal, Ariel Tarico presenta una obra repleta de risas y actualidad, donde cada personaje aporta desde su impronta una mirada de la realidad distinta pero que el público aplaude sin discriminar.

Maldad; el campo y sus secretos

 

El campo puede significar fantasía idílica para muchos y sin embargo también encierra secretos, mandatos, soledad y desesperanza para otros.  A Patricia Suarez - autora de la obra - le gusta indagar en estos misterios y contradicciones y así lo hace en este texto, escenario que repite en otras de sus obras como Benilde y Natalina. 

Maldad se sitúa en algún lugar del campo argentino, a principios del siglo pasado y cuenta la historia de dos hermanos con un padre difunto y una herencia injusta que desata los conflictos ocultos en esa relación de celos, envidias y secretos que se forjó con años de rencores que se guardaban sigilosamente para cuidar las formas.

El prodigo y prestigioso teatrista marplatense, Marcelo Marán logra hacer de esta puesta una obra de arte contundente.  Sobria y austera desde la estética donde los actores se encuentran con su propia verdad.  La entrega al desnudo de sus interpretaciones sin más elementos que su propio cuerpo y expresión para poder transmitir, con cada mirada, cada pausa, cada gesto, ese dramatismo que los atraviesa y que consiguen transmitir al público.

Agustín Barovero, Paula Esteve, Gonzalo Pedalino y Natalia Prous consiguen del espectador su completa atención.  El aire que se respira es tenso y responde a un transcurrir de la obra que va poniendo más oscura, y donde la falta de elementos escenográficos  - elección de Marán -convierte a los actores en dramatismo puro.  El núcleo actoral que forman no tiene grietas, se perciben las horas de ensayo y en esta segunda temporada - luego de hacer temporada en el Teatro del Pueblo en Buenos Aires - se siente como una obra que ya posee confianza en sí misma y se anima al vuelo.

Desde la escenografía son pocos los elementos que distraen la atención del drama.  Apenas unas bolsas, cadenas, una copa y una plataforma que se eleva acompañando el relato y simbólicamente llevando a los protagonistas al borde de un abismo, del que quizás ya no hay regreso.  El acordeón que suena de la mano de Barovero suma en dramatismo.

Maldad, que supo cosechar tres premios Estrella de Mar en 2016, ha decidido no presentarte éste año.  Sin embargo, es un espectáculo que bien se sabe, recibe el premio mayor, el aplauso interminable del público en cada función.  Marán  aporta toda su trayectoria y talento para que los actores se luzcan en escena.  El púbico una vez más agradece su aporte al Teatro y la Cultura.

Exorcismo... Replantearse la verdad

Siempre es un placer asistir al Espacio Liberart (Moreno 2742, Mar del Plata), porque conozco la cocina y me invitan con sus cálidos aromas de arte colectivo a disfrutar de una nueva experiencia con el teatro.  Ángeles Marset una de sus principales anfitrionas - actriz y docente teatral - es hoy la encargada de brindar un recorrido en la psiquis femenina en parte, pero a su vez la psiquis universal a través de su unipersonal Exorcismo de mujer que cuenta con la dirección y autoría de Nora Fernández.

Excorsismo… es un camino, un recorrido por las emociones donde la mujer es una excusa para indagar acerca de cuestiones como las creencias, los mandatos, las relaciones, los vínculos, la infancia y cada etapa de la vida.  El rol de la mujer también funciona de intermediario para hablar sobre las contradicciones, las idealizaciones y negaciones que parecieran pertenecer al universo femenino, aunque bien se sabe que no sólo son propiedad de la feminidad.

Ángeles Marset, consigue que el público la acompañe y se identifique en su exorcismo, donde junto con los expectadores reflexiona y se conmueve.  Realizando una entrega física y actoral que emociona.  Marset despliega su gran histrionismo y talento sobre el escenario, con fuertes y bruscos cambios de clima y emociones a los que las mujeres estamos acostumbrados y sin embargo no deja de conmovernos. La platea masculina también se identifica desde los conflictos sociales como las relaciones, los vínculos y algo de infantilidad que nos obliga a negar un poco para sobrevivir.

Exorcismo de mujer que ya tiene más de cinco años de su estreno y que ha cumplido en agosto sus 200 funciones, es una interpelación al status quo, a la idiosincrasia femenina en particular pero universal en lo general para reflexionar y replantearnos los mandatos y las creencias establecidas.  Es un espectáculo para reír, sorprenderse y emocionarse, no sólo con el texto sino con la insoslayable actuación de Ángeles Marset que se entrega en cuerpo y alma, consiguiendo el aplauso desmesurado de un público que se retira agradecido por la experiencia.

Entropía; la medida del desorden emocional

Merceditas Elordi una vez más regresa a su Mar del Plata querida para brindarle lo mejor.  Esta vez con una propuesta de su propia autoría y dirección donde se luce junto a Belén Fernández Díaz y Pablo Pieretti protagonistas de una historia de esas que llegan, por parecerse un poco a nosotros mismos, historias mínimas, historias del corazón.

Entropía, desde la física es una magnitud termodinámica, es la medida del desorden de un sistema según la RAE y es a su vez, un concepto que Elordi utilizará como metáfora para comenzar a contar la historia donde Sergio (Pablo Pieretti) es el protagonista, un joven que ha tenido a lo largo de su vida varios desencuentros amorosos y una historia con sus padres que de algún modo siempre nos condiciona.  Sergio está buscando su rumbo su norte, pero ahí estarán ellas todas las mujeres encarnadas en Belén Fernández Díaz quien representará cada ilusión, fantasía y desencuentro que ha tenido con las mujeres de su vida.

Los protagonistas de esta historia son dos, pero a la vez son muchos.   En el caso de Belén dado por la representación de ser todas en una, cargando a cada una con una impronta diferente de la que logra entrar y salir con una facilidad donde seguramente su gran formación en el IUNA y Savignone y sus máscaras le alivianaron el recorrido.  Fernández Díaz consigue la empatía y admiración de un público que celebra su talento.  A su vez Pablo Pieretti consigue con Sergio conmover a través de su desolación en algún punto, su búsqueda desesperada por el amor con la que el espectador se identifica.  Porque en definitiva todo lo que necesitamos es amor, dijo un gran maestro. 

Ambos consiguen una gran conexión sobre el escenario, los meses en que se presentó la obra en Buenos Aires seguramente fue la antesala para llegar a Mar del Plata con una obra ya cerrada y con mucho para ofrecer. 

Merceditas Elordi, supo conjugar lo mejor de éste trío.  Desde la dirección existe un trabajo profundo y minucioso que logra contar desde la sutileza escenas de gran ternura y otras de gran erotismo.  Hace referencia a las relaciones virtuales, pero no desde la obviedad, la dirección será la clave de éste espectáculo.

Por otra parte la música de Diego Girón, al principio parece casi competir con el texto, sin embargo con el correr de la obra, se convertirá junto con las luces y la escenografía – responsabilidad de Edgardo Aguilar- y el vestuario (de Silvia Zorzoli Carrasco)  en elementos fundamentales a la hora de acompañar y potenciar el relato.

Elordi que en 2012 ganara el Premio Estrella de Mar por “De Hombre a Hombre” entiende que volver a su ciudad implica un gran compromiso y está dispuesta una vez más a honrarlo y brindar lo mejor de sí misma y de su arte.  Mar del Plata, feliz de recibirla. 

Vivo - Teatro de improvisación, experiencia ancestral

Ingreso a la sala Agua de Cuatro Elementos (Alberti 2746, Mar del Plata) y una música casi ancestral ameniza mientras el público se acomoda.  Un instrumento que no alcanzo a ver con claridad, una alfombra y de golpe se perciben las máscaras en un ambiente que remite a lo primitivo; desde las luces, la música y la escenografía.

Marcelo Savignone está a punto de realizar VIVO, su experimento unipersonal de improvisación que estrenó allá en el 2010 y por el que participó en diversidad de festivales internacionales (en Chile, Perú, Alemania y España entre otros).  El actor, director, docente y dramaturgo Rosarino –que actualmente vive en Buenos Aires - lleva años trabajando con las máscaras balinesas, que él mismo fue a buscar a Indonesia en 2002 y desde entonces ha trabajado en perfeccionar su técnica.

Vivo es una inconmensurable demostración del trabajo teatral más primitivo, de entrega física, mental y emocional.  Savignone va escogiendo máscaras al azar y con cada una se apoderará de un personaje que cobrará vida en una historia de creación colectiva que resultará en un compromiso del púbico que aguarda atento y expectante la próxima interpretación.  Porque cada máscara se relaciona y entonces se va conformando un hilo conductor entre las máscaras, el público y la historia que uno no sabe donde culminará.

El teatro en sí mismo es una experiencia única e irrepetible, cada función es única por el convivio teatral del que habla Jorge Dubatti, sin embargo VIVO es una expresión fiel de esta verdad, dado que cada espectáculo será fruto de Savignone, las máscaras y las propuestas del público presente.

El diseño de luces de Nacho Riveros y la escenografía de Lina Boselli dejan al espectador inmerso en un halo de misterio necesario para el momento único que están por experimentar.

VIVO es un espectáculo para disfrutar del teatro, desde su origen, desde la improvisación, de un modo primitivo.  Además la experiencia colectiva lo hace aún más interesante y Marcelo Savignone descolla con su histrionismo y su entrega sobre el escenario.

Los reyes de la risa

 

Rivadavia se convierte en peatonal cada temporada marplatense para ofrecerse como escenario de los artistas que invitan y convidan de su espectáculo, el que luego podrán disfrutar sentados en la cómoda butaca.  Los Reyes del Humor saben de su potencial y lo explotan al máximo.

Agustín Souza actor reconocido del teatro independiente –nominado al Premio Estrella de Mar- con 18 temporadas en la feliz, se unió al dúo humorístico Enigma Show (Néstor Coppini y Marcelo Zeta) y a Leonardo Cerrizuela, para brindar un espectáculo de humor con sketchs, monólogos, cuadros musicales y un desfile de disparatados personajes que resultan infalibles y desatan las carcajadas de un público que agradece una bocanada de aire fresco y risas durante todo el show.

Ocurre que tanto Souza como el dúo Enigma Show hace años que trabajan en la peatonal Rivadavia, llevando su humor al teatro independiente, haciendo un minucioso trabajo artístico. Saben de tiempos y de trabajar con el público y lo utilizan a su favor. Además de haber trabajado juntos en la autoría del espectáculo logran una gran química sobre el escenario a la que se suma Maximiliano Pezzoti.

Leonardo Cerrizuela, un artista todo terreno (es autor, actor y director) en este caso, desde la autoría compartida y dirección logró brindarle su aporte desde una mirada de teatro independiente comprometido, donde el humor no excluye a la reflexión.

La idea del vestuario a cargo de Albert Linch acompaña sumando a lo visual con lo necesario para cada sketch y representación.

Reyes del Humor es un espectáculo divertido para todo la familia, con artistas de mucho oficio y una vocación por hacer reír al público que se refleja en cada parte del show.  Las bailarinas – Melisa Ramírez, Yésica Speratti, Noelí Chiarenza y Sofía Martínez - permiten una renovación de aire entre tantas risas y el público retribuye tanta entrega con sus sentidos aplausos.

Multitud de talentos

 

Tres viejos bardos es la excepción que contradice la regla dado que en este caso, tres no son multitud, o en realidad si lo son, se trata de una multitud de talento.

Leo Rizzi, Guillermo Yanicola y Luciano Brindisi realizan una demostración de histrionismo sobre el escenario, donde cada uno aporta lo mejor de su experiencia para sumar al resultado colectivo. Con varias nominaciones para los premios Estrella de Mar, esta obra representa un fiel reflejo del potencial de la escena marplatense.

Tres ancianos del geriátrico representan de modo disparatado un paseo por los clásicos de William Shakespeare consiguiendo las risas y complicidad de los espectadores. Al mismo tiempo ofrece una mirada sobre la vejez y la amistad en tono de comedia dramática.  La dirección de Ricardo Behrens  consigue sacar lo mejor de estos maestros de la escena local.

La obra resulta la excusa ideal para acercar a los niños al teatro que, aunque no se trata de un espectáculo infantil, es muy amena, divertida y de fácil entendimiento para todo tipo de espectadores.  Además el vestuario y los elementos de escenografía suman al espectáculo, pero sin dudas, lo viste la obra es la suma de talentos.

Estrella Negra: Acaso todas somos Estrella

La vida me puso ahí justo donde termina y comienza todo, porque la vida se trata de eso; fluir.  En este caso se trata de la función en la que la extraordinaria actriz Emma Burgos se despide de Estrella Negra, por la que recibiera el premio Estrella de Mar 2014, año en el que fue premiado también Marcelo Marán por la dirección.  Ambos tambíen trabajaron juntos en Antígona…

La obra se sitúa en una casona colonial de Montevideo, en 1811 época de guerra, tiempo de Artigas.  Una puesta en escena modesta desde los elementos pero rotunda y potente desde la interpretación.  Emma Burgos encarna una esclava en medio de dudas y contradicciones, con un bebe que amamantar y sueños que desea cumplir.  Estrella, devota de la Virgen se aferra a la fe para no perder las esperanzas en el futuro incierto. 

Acaso Estrella representa cada mujer en sus contradicciones, sus anhelos.  La maternidad como bendición, o como atadura que impide avanzar.  El amor siempre como motor de todo.

Pocos elementos en escena, pero precisos y funcionales a la obra, un pollera que se hace manta, un espejo y una Virgen serán suficientes para que Emma Burgos erize la piel de todos con su Estrella, una mujer desde lo más profundo de sus entrañas.  Estrella seduce, impacta y conmueve a cada espectador.

El gran teatrista Marcelo Marán logra una puesta en escena y dirección muy acertadas.  Desde la luz, las pausas y una mirada incisiva que pincha donde debe hacerlo para dejar al público tarea para el hogar.

Estrella Negra, que cuenta además con la asistencia de dirección de Graciela Inchaurrondo, se despedirá de Emma Burgos como ella lo hizo, en esa su última función, dejando todo, con el alma en las manos y lágrimas en los ojos.

Índigo: Una bella excusa para acercarse a la danza

 

Índigo es la nueva propuesta de la Compañía Coreográfica Sala A, que bajo la dirección y puesta en escena de Noelia Canales junto con la realización audiovisual de Jhonna Fernández, logran reflejar un reconocimiento desde lo humano, con sus luces y sombras donde la danza contemporánea es el recurso y lenguaje principal, del que se vale para indagar la relación de la humanidad con el planeta.  Haciendo énfasis en su origen, sus miedos y contradicciones permanentes.

El cuerpo de bailarinas conformado por Marina Acevedo, Carolina D’ Alessandro,  Daniela Fernández, María Paz de la Torre, Melina Martínez, Sasha Picard y Maia Fernandez logran aunarse y formar una sinergia para contar una misma historia Los cuadros COSMOS y LOCURA DE AMOR interpretados por Daniela Fernandez y María Páz de la Torre respectivamente, consiguen conmover al público con sus representaciones donde brillan y transmiten entregandose por completo a la emoción de la obra.

Así mismo el material audiovisual, acompaña el espectáculo haciendo de guía, junto con una voz en off que va realizando la introducción a cada escena.  La música elegida en cada escena, así como el vestuario potencian cada interpretación.

Índigo es siempre una bella y linda posibilidad de acercarse a la danza como medio artístico y dejarse maravillar por su estética y belleza.

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Gacetilla: http://teatroanews.com.ar/?page=mardelplata#a87

 

Invisible: Cuando todo es más que la suma de las partes


¿ Invisible.... es lo que no se ve o lo que no se mira, lo que se oculta o lo que se naturaliza ?

Así comienza la gacetilla de esta obra llena de matices, climas y recovecos emocionales que dejará al público conmovido y con más preguntas que respuestas.

Liberart (Moreno 2742) es el espacio ideal para la puesta en escena de esta obra, ya que habilita la intimidad y cercanía indispensables para abrirse y dejarse llevar.  La dramaturgia fue concebida por todos lo que participan de la obra y sugió a partir del trabajo e improvisación de los actores, siempre guiados por la dirección.

Invisible, no es un espectáculo liviano sino todo lo contrario; es un trabajo colectivo, potente y sobretodo de mucho compromiso donde cada actor se entrega por completo desde sus entrañas para contar su verdad, pero que a su vez se trata de una verdad compartida, de la que todos participamos ya sea desde la acción, complicidad u omisión.

Ángeles Marset e Ivan Mesias consiguen desde la dirección dar el vuelo necesario a los actores y conducir desde la libertad, generando de este modo un proyecto colectivo y enriquecido de miradas.  Logran una profundidad en cada interpretación y los mecanismos necesarios para dar algo de frescura que permita una vía de oxígeno o escape para tal oscuridad a quien lo necesite, esto se logra a partir de una escenografía muy sencilla pero precisa y una puesta de escena funcional al espectáculo.

La obra cuenta con muy buenas y parejas intrepretaciones de un elenco sólido conformado por Alicia Nevado, Cristian Alvarez, Viviana Daniel, Adriana Vicente, Jorge Repetto, Gloria Carmen Borgese, Fernando Daniel Torre Holstein, Carmen Martinez, Ale Borges, Tris Guzmán, Yanina Guadalupe Gomez y además cuenta con la asistencia de dirección de Sol Masid.

Invisible, es un espectáculo que interpela y cuestiona, que conmueve y emociona sin caer en golpes bajos.  Se trata de una obra imperdible que hace honor a la premisa de LIBERART, Animate a Sentir.

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Gacetilla: http://teatroanews.com.ar/?page=mardelplata#a90

 


 

Bossi Reload 2016

Anoche se estrenó en el Centro de Arte MDP la temporada de verano del espectáculo Big Bang Show 2016 con gran éxito de público y aplausos.

Se trata de un show grandilocuente donde el cómico e imitador, hace un recorrido por las imitaciones de muchos de sus personajes desde Michael Jackson, hasta Elton John, pasando por Axel Rose y Rod Stewart.  Donde no solo los personifica con gran talento tanto en voz como en personificación, sino que además muestra gran histrionismo para el cambio dinámico y vertiginoso que se da entre uno y otro, al punto de traer a la memoria al gran Fernando Peña, donde uno se cuestiona de modo gracioso, cómo es que hacen para no padecer esquizofrenia o cualquier disociación de personalidad, todo un logro.

Big Bang Show es un espectáculo que Bossi viene realizando hace dos años y si bien uno pudiera creer que ya encontró la receta, el cómico no se conforma y siempre le encuentra una vuelta más.  Ese fue el caso de la incorporación en este caso de Adriana Brosky, en su personaje de la bebota quien es ovacionada por el público que agradece emocionado el recuerdo de esos instantes mágicos de felicidad.  Bossi, interpreta a un Manosanta como dios manda, por lo tanto a la fórmula Martín Bossi, Jorge “Carna” Crivelli (quien interpreta a los personajes de Raúl Portales) se le suma Adriana Brodsky, conformando así un tridente fenomenal.

Cabe destacar que la obra es un gran show de música, luces y orquesta en vivo.  La dirección musical está a cargo de Manuel Wirzt, quien además interviene como actor.  Y el espectacular diseño de iluminación es de Pablo Vaiana.  El show cuenta con la dirección general de Emilio Tamer y la producción general de Diego Djeredjian.

A priori se puede vislumbrar una gran temporada para Martín Bossi porque ha encontrado la receta de talento y dedicación.  MERD!

Danza y mucho más

“Ubuntu, destellos de una conciencia” se presentó anoche 6 de septiembre en su penúltima función, porque sí, se está despidiendo.  Sin embargo,  como toda obra de arte ya dejo su semilla, su inquietud, su rebelión dentro que cada espectador.

Montserrath Oteguí deja una vez más en claro, que el arte puede cambiar al mundo de un modo sutil, con pequeños, cada unos haciendo uso de su don y poniéndolo al servicio de los demás; y de eso se trata. 

La gran bailarina local, junto a su Compañía de danza, ofrece un Ubuntu un ballet filosófico, aquel que intenta dejar un mensaje, que nos provoca y nos invita a reflexionar y replantearnos.

Ubuntu es ante todo, el arte al servicio de la emoción,  donde iluminación, vestuario, cuerpo de baile e interpretaciones nos interpelan, en una increíble fusión de sentidos.

Montserrath transmite insoslayable por medio de su danza cada emoción que el espectador finalmente agradece.  Y además se vale de textos y poemas de su propia autoría para realizar el anclaje entre emoción y razón, a fin de hacer más accesible la decodificación.  En tal sentido cabe destacar la gran labor de Sandra Maddonni, que logra hacer carne esas palabras y que cobren sentido y verdad.

Otro elemento sobresaliente del espectáculo es la música  -tan protagónica- Raúl y Gerardo Bao y de Leonardo Oteguí.   Con una fuerza que permite sentir mucho antes que poder racionalizar, como esa música ancestral, que viene de las entrañas.  Y que tiene como broche de oro en su presentación de música en vivo de la mano de Raúl Bao, todo un deleite para la platea.

“Ubuntu, destellos de una conciencia”  se despide, pero no nos deja vacíos.   Más bien nos deja expectantes del próximo trabajo que vendrá de la mano de la talentosa Montserrath Oteguí y todo su equipo.

Mora Godoy Tango Company

La Compañía de Mora Godoy se presentó a fines de julio en el Teatro Auditorium de Mar del Plata (Bv. Marítimo 2280) en el marco del cierre de su gira, con un show a todo Tango.  Deslumbrante y vanguardista, Mora Godoy hizo de su nombre una marca registrada en el Tango Mundial.

Luego del éxito de sus espectáculos a nivel internacional como Chantecler, la embajadora de nuestra danza no descansa y prepara su nuevo show.

Mora Godoy Tango Company cuenta con coreografías que fusionan diferentes ritmos como el candombe, folclore, la salsa y la música electrónica.  Siempre con la sensualidad y fuerza que ya son un sello propio.

El vestuario de Alberto Mauri y Ona Saez y la gran tarea de iluminación de la mano de Cristian Tateossian, consiguen hacer del espectáculo un show para disfrutar.

En esta ocasión los hermanos Gardella (Javier e Isaac) con su malambo –también de vanguardia- logran conmover a la platea que los aplaude en cada aparición.

Mora Godoy no es en vano la representante natural del Tango a nivel internacional, es evidente que ha encontrado la fórmula  de un Tango nuevo que el público estaba esperando, seguramente ese público que no conectaba con la danza tradicional, quitándole cierta melancolía.  Cabe destacar la gran generosidad de la Godoy sobre el escenario, donde supo congeniar talento y revolución, por he aquí su sello, transcender los propios límites del Tango.

 

 

El origen del amor

“Hoy: El diario de Adán y Eva” de Mark Twain, vuelve a las tablas a 20 años de su estreno en Buenos Aires para recordarnos esa magia inexplicable del amor.  En un espectáculo tierno y divertido que realiza un recorrido por todas la emociones que nos invaden cuando nos enamoramos.

Miguel Ángel Solá junto a su mujer Paula Cancio protagonizan esta bella historia de amor, que bajo la dirección de Manuel González Gil, consiguen entre todos conmover a la platea y llevarlos de la risa a la emoción de modo permanente. 

La obra cuenta la historia de amor entre Eloísa Vallespeso y Dalmacio Avena, dos figuras de la radiofonía de los años 50, en contexto de una entrevista radial que a un octogenario Dalmacio le brinda a una joven española donde relata con gran ternura su dulce aventura en el amor –aún intacto- de la mano de Eloísa.

El vestuario de Pepe Uría y la escenografía de Jaime Nin Uría, consiguen con pocos elementos, generar diversos climas, donde los cambios de vestuario sobre el escenario, generan una cercanía y formar parte de esa intimidad y si se quiere, vivir un poco, esa historia  de amor.

Solá junto a su mujer - de regreso a Buenos Aires- nos obsequian esta hermosa pieza teatral en donde nos permiten volver a conectar con la inocencia y la ingenuidad de un amor puro.  Ese amor, que nos permite soñar con un mundo mejor, en un mensaje de suma esperanza que logra que el público se vaya del Teatro Apolo (Corrientes 1372) con una sonrisa.

La necesidad de creer

Cartas de la Ausente de Ariel Barchilón es una obra profunda, sencilla y hermosa que indaga sobre el amor, la ilusión, los desencuentros y la soledad.  Pero lo hace de un modo tan entrañable y poético que conmueve y resulta imposible no verse reflejado en esas ansias de esperanza y fe en el amor, que todos poseemos o necesitamos.

Rufino (Vando Villamil) es un ex presidiario quien cumplió su condena y viene a reencontrarse con Loli un amor que conoció entre rejas, a través de cartas de amor que se intercambiaban.  Pero ya lo dijo el maestro Mario Benedetti “Una carta de amor no es el amor, sino un informe de la ausencia”. Y fue así que al ser liberado se entera que Loli a muerto y tratando de buscar algún recuerdo desde donde aferrarse para sobrevivir –como lo hizo, todos esos años de encierro- se decide visitar a Doña Elvirita (Daniel Fanego) para que la traiga aunque más no sea, con su recuerdo.

Pero es en ese encuentro, donde todo se revela, y a partir de una muy sutil pero imprescindible dirección de Mónica Viñao se conjuga la magia.  Donde los personajes interpelan la memoria emotiva de cada espectador y donde no se percibe la línea casi imperceptible que divide la realidad, de lo que elegimos creer en pos de amor, y la compañía.  Porque cada uno en cierto punto se creó una propia imagen de todo, a conveniencia de lo que necesitemos creer para sentirnos seguros.  Preservando el confort.  Porque el amor es eso también, una ventana a la ilusión de un mundo mejor.

Vando Villamil, interpreta muy bien a un Rufino algo áspero, que ha olvidado algunos modales y es un poco torpe en el trato.  Pero es Daniel Fanego quien se lleva todos los laureles con una interpretación extraordinaria de doña Elvirita, un personaje tierno, gracioso, donde debe actuar de mujer y lo hace tan verosímil que deslumbra con su histrionismo y hace emocionar a la platea.

La obra se presentó el pasado 25 y 26 de julio, en el Teatro Auditorium de Mar del Plata, en el marco de las giras nacionales del Teatro Cervantes.

Jorge Rojas en Concierto

La fuerza de las raíces

Mar del Plata se conmovió el pasado fin de semana, ante la pasión y la tradición que explotaron sobre el escenario del  Radiocity (San Luis 1750) con la presencia  de Jorge Rojas, en un show deslumbrante, lleno de talento y a puro folklore.

En el Hall del teatro ya se percibe el entusiasmo y la cantidad de mujeres fanáticas que lo siguen a todos lados y que son quienes agotan las primeras filas, ni bien las entradas salen a la venta.  Irma, directora del  fans club El Único (de Buenos Aires) relata que lo siguen desde que se hizo solista y confiesa orgullosa “ayer ya lo vimos y lo seguimos a todos lados”. Y así se puede constatar durante el show, donde el público canta y baila sus canciones y las fanáticas eufóricas piden siempre un poco más; que mueva la colita, o les cante el Feliz cumpleaños.

Jorge Rojas con su voz única y con la fuerza del Chaco Salteño en sus venas, logra transmitir la emoción en cada canción y por eso, es fácil entender, porque éste show fue premiado con la distinción al Mejor show musical en los premios Carlos (en Córdoba).  Y es porque junto a los grandes músicos que lo acompañan y un ballet que desborda talento, consiguen entre todos hacer una fiesta del folklore, donde el público resulta ser el gran agasajado.

Durante el show, Jorge Rojas repasó temas de casi una década de trayectoria como solista, aunque siempre muy bien acompañado.  En este caso por sus hermanos Alfredo y Lucio quienes además de aportar su gran talento,  aportan alegría y complicidad –esa que sólo se da entre hermanos – donde se miran, sonríen, se reconocen y siguen cantando y se divierten, haciendo una verdadera fiesta de encuentro y comunión sobre del escenario.

Jorge Rojas, celebrará su décimo aniversario en el Quality Espacio (en Córdoba Capital) en el mes de septiembre y sus fanáticas ahí estarán para acompañarlo “vamos a festejar con él en el Quality” asegura entusiasmada, Irma.

La celebración del libre albedrío

“Otro estilo de vida” de Noël Cowar en la versión de Jorge Schussheim y con dirección de la maravillosa Lía Jelín, es una invitación a vivir la vida como se nos dé la gana.  Es una crítica a la sociedad burguesa y prejuiciosa, aquella que censuró su estreno por diez años en Inglaterra.  Sin embargo, resulta una obra sumamente contemporánea, a casi un siglo de ser escrita la hipocresía no ha pasado de moda, y son aquellos que desean ser libres, los primeros en señalar con el dedo a quien se atreva a vivir sin ataduras.

La obra transcurre entre 1929 y 1932 en París, Londres y Nueva York.  Gilda, Claude y Leo mantienen una conexión especial, ellos se aman entre sí son una pareja de a tres, sin embargo ellos temen la condena social, sobre todo porque ni ellos mismos son capaces de no juzgar su amor, ese que los ilumina, los potencia, pero el amor que a fin de cuentas deben reprimir.  Maurice es un amigo, un testigo cómplice que intenta una mirada más compasiva de ese amor equívoco, según él lo ve. 

Otro estilo de vida, en esta nueva puesta, más que una crítica es un llamado a la reflexión para entender que hay tantas formas de amor, como personas hay sobre la tierra; que no se requiere de estar casados para que exista ese amor y que lo material no es necesario para ser felices.  Los protagonistas de éste trío amoroso –Inés Esteves, Marco Antonio Caponi y Alberto Ajaka- logran plasmar sobre las tablas esa gran pasión y admiración que había entre ellos, todos artistas unidos por el fuego del arte.  Fabián Arenillas en tanto logra traer a escena el pensamiento burgués y lo hace presente.  Por último, cabe destacar el gran trabajo que realiza Dan Breitman durante todo el espectáculo, representando en especial el rol de una ama de llaves muy particular, que consigue los momentos más graciosos y que el público estalle de risa que luego desencadenan los aplausos.

Otro párrafo aparte merece la escenografía de Tito Egurza que logra cambiar de climas y ciudades con gran facilidad, como así también el vestuario de Renata Schussheim con el talento que nos tiene ya acostumbrados.

Otro Estilo de Vida, con dirección de Lía Jelín logra hacer de una obra escrita hace casi un siglo, un espectáculo actual, dinámico y divertido.  Donde se habla de amor, erotismo, prejuicios y otras yerbas.  Una puesta muy interesante para no dejar ver!

Terapia de la risa

Matías de Federico ganador del concurso CONTAR1 ha cumplido un sueño, luego de ser premiado en la primera Feria Teatral de Buenos Aires  (organizada por AADET, AAA, Y ARGENTORES)  logró ver la puesta en escena de su obra de la mejor manera, en las manos de un gran director como Daniel Veronese y un elenco de actores - integrado por Héctor Díaz, María Figueras, Darío Lopilato, Manuela Pal, Carlos Portaluppi y Mercedes Scapola- que se potencian y se sacan chispas sobre las tablas, haciendo lucir un texto inteligente, preciso, agudo y divertido, que el público agradece con risas y aplausos.

Bajo Terapia cuenta la historia de tres parejas que se encuentran en el consultorio de su terapeuta Antonia, sin embargo ella no asistirá pero en su lugar, les presentará una propuesta única y diferente para esa sesión.  Sobre el escritorio ha dejado ocho sobres con diversas consignas a cumplir, cada sobre develará un conflicto, un secreto de cada pareja que a la vez, se proyectará en las demás y así cada sobre será una caja de pandora.

La clave de la obra es un ritmo ameno y divertido, un conjunto de actores que funcionan al unísono y la magistral dirección de Veronesse.  Todos consiguen que el público se identifique con las parejas bien estereotipadas – la sumisa, el autoritario, el controlador, el celoso, el pesado, la mujer que se impone y aquella más joven e independiente – todos roles claramente comunes en la sociedad de hoy.  Las risas ayudan a reflexionar y en algún caso a pasar los momentos inesperados que tensan a la platea dejándola en silencio.

Bajo Terapia es una gran comedia que se une a los grandes estrenos de la capital porteña; una obra fresca y divertida para reírse a carcajadas.  ¡No se la pierdan!

Libertad para sentir

Es sábado a la noche y me dispongo a ver una obra del Teatro Ciego, toda una experiencia, un modo diferente de vivir y experimentar el teatro.  Ingreso por el Pasaje Zelaya  y me dirijo a la boletería para retirar las entradas.  La luz es tenue y el ambiente cálido, bien colocado se encuentra un cartel con la siguiente premisa ¨Lo que ves cuando no ves” tan cierto como inexplicable, es algo que hay que vivir en carne propia, la técnica de teatro ciego nos permite ver con todos los sentidos, nos interpela con otra realidad, una que desconocemos pero de la que, curiosamente nos sentimos más cerca a partir de ésta experiencia.
La cita es a las 21hs, el público ya comienza a llegar y una vez en boletería me presento y solicito las entradas.  Al consultarme acerca de cuál era la obra que venía a ver digo Luces de la Ciudad, ¿un error involuntario? Quizás un fallido.  En definitiva Libertad es una palabra muy fuerte, de alto contenido histórico y emocional, eso nos deja la obra.  Luces de Libertad, el verdadero nombre de la obra, una puesta en escena de  Gerardo Bentatti cuenta aquellos últimos momentos previos a la revolución de mayo, interpretado por actores en su mayoría ciegos, logran que el público imagine y perciba con todo su espíritu la historia, esa tan común a todos, la lucha por la libertad, la de aquellos días pero que de algún modo sigue presente en la búsqueda de la libertad, a partir de la igualdad, de la integración… y esta obra aporta su granito de arena al respecto.  Luces de Libertad, cuenta aquellos días de mayo, desde la historia de amor prohibida por aquel entonces, entre una esclava negra y el amigo de su amo. 
Cabe destacar la diversidad de recursos de los que se vale el teatro ciego para recrear las escenas y los paisajes -aromas, sonidos y sensaciones- de un modo mucho más impactante que si pudiéramos ver con los ojos, una experiencia mucho más emotiva.  Como así también la dulce voz de la actriz que canta que nos permite ese viaje imaginario a 1810, un viaje intenso y conmovedor que nadie debería dejar de realizar. 
Luces de Libertad es un recorrido por la historia, las luchas libertarias, los derechos, las emociones y una invitación a ver en la oscuridad, pero no ver con los ojos, sino con el corazón.  ¿Te la vas a perder?

¿Querés un tecito?

“Te llegó la hora” de Juan Damián Benitez con dirección de Leonardo Cerrizuela es una hermosa venganza musical, una obra dramática en tono de comedia musical, en donde el talento de las actrices y la mirada del director conjugan en equilibrio para realizar un bello espectáculo para reírse y reflexionar; sobre las relaciones, el paso del tiempo, las apariencias y el peso de nuestras acciones en los demás.  Haciendo del Te, la excusa perfecta para mostrarnos tal cual somos.

La reunión se llevará a cabo luego de varios años de no verse, desde el colegio, donde Doris (Belén García Salles) se ha sentido maltratada y afectada a tal punto que ha decidido vengarse, invitándolas a ellas, “sus amigas” -cuyos actos han sido siembra de su resentimiento- a un reencuentro donde finalmente les llegara la hora. 

Una por una van llegando las invitadas, representando personajes tan comunes como estereotipados que enseguida logran congraciarse con el público.  Las hay más vistosas y más tímidas, más frontales y más sumisas como en la vida misma en cada sitio donde se reúnen varias mujeres, parece que todo va a explotar.

 Las amigas de Doris, Norma (Camila Rodríguez), Rosa (Victoria Villanueva), Lourdes (Agustina Peres) y Magalí (Carmen Masllorens), comienzan a contar sus historias no tan perfectas y una entrometida vecina interpretada por Martina Zalazar – generadora de gran cantidad de risas entre el público-  evidenciará lo que ha quedado sobre la mesa.

Cabe destacar el gran talento de las actrices que actúan, bailan y cantan con gran solvencia, mostrando un trabajo en equipo que se revela sobre las tablas.  Una escenografía y vestuario atinados y una mirada del director que convierte el drama en comedia y la comedia en musical de un modo ameno, dinámico y divertido.

Té llegó la hora, es una pequeña y bella obra del teatro independiente, que se despide de esta temporada con la promesa de reestrenar en 2015.  Aquí estaremos, ansiosos de volver a verlos!

El humor como defensa propia

Cacho Buenaventura lanza su nuevo espectáculo “En defensa propia” y realiza una gira por las principales ciudades del país, con la dicha de presentarse en esta ocasión, en el Teatro Maipo, uno de los espacios teatrales más emblemáticos de la capital porteña.

El nuevo espectáculo de humorista cordobés plantea reírnos en lugar de enojarnos, valorar las pequeñas cosas y disfrutar de la vida.  La gran premisa del espectáculo se cumple al pie de la letra con un público que celebra, se ríe y emociona.  Cacho Buenaventura consigue conmover al espectador a través de sus historias, anécdotas de la infancia, su familia, sus valores y todo lo cuenta con gran histrionismo y humor. Convirtiendo así al espectáculo en una charla amena y llena de risas con el público que agradece reírse de los problemas y de sí mismo.

Durante el show, Luis Eduardo Buenaventura –oriundo de Cruz del Eje- hace un recorrido por su  vida y lo convierte en risas, ese humor desde las entrañas, visceral, sincero y lleno de ternura.  Un espectáculo muy dinámico donde el humorista es acompañado por una banda de músicos -conformada por José Isaac Pacheco, Julio César Luján, Tomás Facundo Luján y Ezequiel Ernesto Marchessi- que aporta alegría y dinamismo al espectáculo, donde además se percibe una gran armonía y empatía entre ellos que se divierten y celebran con el humorista.

Cacho Buenaventura se presentará el 20, 21, 22 y 23 de noviembre en el Teatro Maipo con un espectáculo exquisito para ver, reír, conmoverse y reflexionar acerca del ritmo en el que vivimos y por qué no, empezar a disfrutar más de la vida, usando el humor en defensa propia.

El amor, un gran misterio

Amor Clandestino es una bella historia de amor, compleja y cotidiana al mismo tiempo donde el amor se manifiesta de diversas maneras.

Margarita (Nani Ardanaz) y Francisco (Claudio Messina) son los protagonistas de encuentros amorosos; pasionales y furtivos, profundos pero inconclusos que retratan de un modo muy humano las relaciones, como la tuya o la mía, cercana a todos.  Donde entra en juego, la rutina, la entrega, los desencuentros y la complicidad.  La infidelidad como otro modo de amor, donde no se prejuzga sino se contempla.  Mientras tanto Antonio (Mariano Muente), se presenta como un amigo y espectador que junto al público será testigo de ese amor y sus vaivenes.

La obra escrita por Mario Buchbinder y dirigida por Sergio Arroyo es un espectáculo que nos lleva a reflexionar sobre el amor y sus variantes, sobre la lealtad y la pureza del sentimiento, de un modo muy verdadero, donde el contexto lo es todo. Las actuaciones completan un cuadro sólido que cada uno terminará por develar a solas, con su propia historia.

Un show para reír y emocionarse

Martín Bossi, es un humorista que mira al pasado -para valorarlo y aprender- pero que a la vez nos hace reflexionar sobre el presente sin dejar de mirar hacia al futuro.  Y todo se lo propone en éste, su Big Bang Show que se despide de Buenos Aires el 26 de octubre para recorrer el interior del país como así también presentarse en Montevideo y España.

Big Bang Show, el último espectáculo del humorista es un recorrido por los últimos 50 años del espectáculo, es un show grandilocuente con una Big Band en vivo de 15 músicos que recorrerán un repertorio amplio y extenso donde Bossi, interpretará y hará gala de su histrionismo al imitar entre otros,  a cantantes de la talla de Freddy Mercury, Elton John, Rod Rod Stewart o Michael Jackson, con su caminata lunar porque también se da el gusto de bailar.

El espectáculo dirigido por Emilio Tamer, cuenta con un gran diseño de escenario de Daniel Feijoo y un acertado diseño de luces de Pablo Vaiana, que aportan junto al vestuario de Romina Mengarelli, un estilo de gala a un show que ha dado que hablar, por sus críticas, sus reconocimientos y su gran venta de taquilla.  Pero nada es casualidad.

Big Bang Show, cuenta además con la presentación de Manuel Wirzt, quien también es responsable de la dirección musical; y la participación muy especial de Jorge “carna” Criveli en el papel de Álvarez, que imitará a Portales junto al entrañable negro Olmedo personificado por Martín Bossi, en el momento más emotivo de la noche.

El sketch de Borges y Álvarez forma parte de un homenaje a los capo cómicos entre los que personifica además a Pepe Biondi y Tato Bores demostrando una vez más sus dotes únicos para la imitación, que lo hicieron tan famoso y reconocido.

Martín Bossi es un humorista de sello propio, un artesano de su oficio, que esta semana estrena su nueva película, su primer protagónico “Un amor en tiempo de Selfies”, al tiempo que se despide de Buenos Aires para presentar el espectáculo por el interior y por España.

Big Bang Show es un espectáculo, divertido, entretenido, emotivo y de gran virtuosismo.  Donde la banda en vivo aporta presencia y fluidez y el talento inconmensurable de Martín Bossi hará reír y emocionar a toda la platea que se irá agradecida por conmovedor viaje, a través de su vida y sus artistas que volverán al presente de la mano de éste gran artista. 

Humor del bueno y a pulmón

Varieté Brutal 5 y 1/2 es la mejor forma de empezar un fin de semana a pura risa, ellos constituyen una cooperativa de artistas que se reunieron para presentar en ésta ocasión una desopilante, divertida y bizarra puesta de humor, a través de scketch de lo más diversos que hacen estallar de risa al público durante todo el espectáculo.

La obra escrita por Julián Sierra y Marina García con coreografías de Vicky Condomi es la sumatoria de distintas artes audiovisuales, que congenian para realizar un mágico instante de humor por medio de diferentes situaciones de la vida cotidiana y noticias que hacen reflexionar al espectador al tiempo que se divierte. 

Varieté Brutal cuenta con un guión muy original, divertido e inteligente, algo ácido por momentos y de un humor negro brillante que dejará a todos sorprendidos sin parar de reírse.  Además posee las magníficas e hilarantes interpretaciones de Tati Martínez, Vicky Condomi, Julian Bass, Luana Pascual, Andrés Passeri, Francisco González Gil, Lula Rosenthal, Alejandro Poggio y el mismo Julian Sierra.

Ellos demuestran que el todo es más que la suma de las partes, porque se percibe un gran trabajo en equipo, ese trabajo cooperativo que hace la diferencia.

El Método Kairós (El Salvador 4530 – Palermo) es el sitio ideal para esta puesta dado que es un lugar descontracturado donde se puede asistir antes y consumir algún trago entre amigos.  La obra se presenta todos los viernes a las 23:30hs.

Un nombre diferente, que hará reír

LE PRENOM es la reunión de un grupo de amigos, que a partir del nombre que eligieron para su hijo a nacer, se desatarán las más disparatadas situaciones.  Donde humor y reflexión irán de la mano, indagando sobre los valores, la hipocresía, los prejuicios y la amistad.

La obra escrita por Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière que ya triunfó en Europa y adaptada por Fernando Masllorens y Federico Gonzalez del Pino, no se cansa de sumar espectadores de disfrutan y se ríen durante todo el espectáculo.

Le Prenom es la magnífica incursión de Arturo Puig como director (que además está dirigiendo “Lluvia de Plata” con gran éxito) y cuenta con las extraordinarias actuaciones de Federico D’elia,  Carlos Belloso, Jorgelina Aruzzi, Peto Menahem y Mercedes Funes.  Cada uno de ellos constituye un universo de humor que complementa y suma a la obra, con gran histrionismo.

La obra se presenta de miércoles a domingos en el Multiteatro (Corrientes 1283 – CABA)

Noches Románticas con Víctor Laplace

Esta obra “Piensa en mí” es el recital de boleros de la mano de Víctor Laplace y su conjunto musical Los Gladiolos un trío muy particular con Esteban Barrea y Rafael Bruzza (responsable también de los textos). El espectáculo de sumo romanticismo ahonda en el amor, las ilusiones y los conflictos para demostrar que los hombres también sufren por amor.

El espectáculo acierta, al realizar un recorrido por los boleros más románticos, entre los que se encuentran Piensa en mí, Perdón, Vete de mí y muchos otros clásicos.  Con una impronta humorística y la plasticidad en las interpretaciones, en especial las expresiones de Rafael Bruzza que no tienen desperdicio y un trabajo musical que se luce.

El Teatro Maipo se viste de rojo fuego para recibir estas tres funciones de Los Gladiolos, cada domingo a las 19:30hs

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Tres únicas funciones
 Domingos 5- 12 y 19 de Octubre a las 19.30hs
 Teatro MAIPO

¿Qué estás dispuesto a hacer por un Crédito?

Esta obra ingeniosa escrita por Jordi Galcerán y magistralmente dirigida por Daniel Veronese -uno de los más avezados directores argentinos- logra cautivar al público desde un comienzo.

La sucursal de un banco será el lugar donde sucederá todo.  Antonio Vicente (Jorge Suarez) se entrevista con el gerente (Jorge Marrale) con el objetivo de solicitar un crédito que necesita con urgencia, sin embargo él no cuenta con garantías que lo avalen, sólo su palabra de honor.  Pero, ¿eso será suficiente? ¿Acaso ya no tiene más valor la palabra?

A partir de la negativa del gerente, se desatará una comedia disparatada, super actual sobre el capitalismo, la deshumanización del sistema económico, las instituciones y las relaciones personales, donde la clave será las magníficas e histriónicas interpretaciones de dos grandes del teatro nacional.  Así como también la siempre destacable escenografía de Alberto Negrin.

Toda la obra será un gran duelo de talento desbordante que hará estallar de la risa a los espectadores durante la hora y veinte que dura el espectáculo.  Jorge Suarez demuestra una vez más su solvencia y virtuosismo sobre las tablas, donde cada día sorprende más como ya lo hizo en el musical y previamente dirigido por Veronese (en La última sesión de Freud).  A la vez Jorge Marrale otro monstruo del teatro, se batalla sobre el escenario en una química de pareja protagónica que deleita al público que los ovaciona y aplaude.

El Crédito es una comedia divertida para descontracturar que se presenta de miércoles a domingos en el Teatro Picadero (Enrique Santos Discépolo 1857 – CABA) y que nadie debería dejar de ver.

El amor a carne viva

El clásico de Federico García Lorca, consigue en esta nueva versión de Marcelo Caballero –su director – una puesta en escena impecable y conmovedora, con toda la lírica y dramatismo característicos del gran autor español.

Bodas de Sangre, es una obra bellísima donde el amor y sus pasiones cobran total protagonismo hasta llegar al punto de lo trágico, ese amor a carne viva, ese amor que se nos escapa y nos hace perder el control.

El festejo está organizado, ya dictado por las familias que arreglan cual negocio la unión de una pareja que está destinada al ocaso, pero nada sucederá como estaba planeado y la fatalidad se hará presente.

En esta producción realizada en conjunto entre España y Argentina ningún detalle estuvo descuidado, por el contrario, la obra cuenta con un elenco sólido y lleno de talentos, una escenografía e iluminación –también de Marcelo Caballero- muy acertados y un vestuario de Romina Ivanoff, Cristina Celentano y Estela Abdala A Zarzur, que consiguen adentrar al público dentro del universo lorquiano.

La obra se termina de completar con la incorporación de lo musical con música en vivo a cargo de Héctor Romero en guitarra y dirección musical y Pablo Alexander en percusión y sumado a la impronta del flamenco en voz y danzas le otorgan el dramatismo e intensidad justos para generar una tensión lírica durante toda la obra, que si bien respeta el texto original, lo hace de un modo tan avezado que mantiene a los espectadores inmersos en una tragedia de amor, que bien podría ser la propia, porque mas allá de las distancias, todos amamos a carne viva alguna vez.

 

Bodas de Sangre se presenta las últimas dos funciones los domingos 5 y 12 de octubre a las 20:30 hs en la sala de EL MÉTODO KAIRÓS, El Salvador 4530, Palermo

Cuando el éxito no es suficiente...

Farinelli, es la historia del famoso cantante conocido como Carlo Broschi quien fue castrado por la miserable ambición de su padre y su hermano, con el objetivo de hacerse ricos a costa de los beneficios que tal brutalidad –supuestamente- le garantizaba.  El eximio cantante nació en Andria en 1705 y en aquel entonces se creía que la castración convertía a los niños en grandes cantantes, por otorgarle un vigor y agudez a la voz, difíciles de hallar de otro modo.

La puesta dirigida por Rolo Sosiuk con producción y música original de la mano de Rodrigo Fornillo logra conmover al público que se deleita con un musical barroco, suntuoso y espectacular. 

La orquesta en vivo -Primer Violín: Jorge Caldelari, Segundo Violín: Lucas Sena, Cello: Juan Bellogamba, Viola: Sebastián Araujo, Piano: Sebastián Araujo- le suma dramatismo y goce.

El vestuario de Calandra-Hock también merece destacarse porque aporta el exquisito toque de musical barroco, con unos trajes a la medida de la época.

Farinelli es más que la historia de unos de los cantantes más famosos de Europa, esta historia cuenta cómo la frustración a veces puede más que un éxito que no se completa sino con la presencia de un amor, que aquí quedó frustrado.  Traiciones y egoísmos son parte de una trama donde el amor inacabado será  el gran protagonista.

Las grandes voces e interpretaciones del elenco como del ensamble, consiguen completar un cuadro lleno de matices y virtuosismo que dan placer de ver.

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Teatro Empire – H. Yrigoyen 1934 (esq. Riobamba) – CABA 
Funciones: Viernes 22.45hs.

Localidades: $ 150

El amor, esa hermosa ficción

“¿Por qué tantas películas, obras de teatro, novelas, canciones dedicadas a las historias de amor? Porque el amor es una ficción…”

Con este disparador comienza El Globo Rojo, una historia de amor, como tantas otras pero distinta a la vez.  Ágil, dinámica, divertida y profunda.  La obra escrita y dirigida por Ezequiel Gaitan es una desopilante comedia sobre el amor y sus miserias.

Emilia (Jazmín Mariscotti) y Gabriel (Nicolas Vivante) componen una pareja  que se conoce, se enamora y se termina separando, pero ¿cuándo se termina la pareja?, ¿cuándo es el momento de soltar y dejar ir?, muchas veces no lo sabemos y otras veces preferimos la negación y recurrimos a diversos artilugios para preservar lo destruido.

El Globo Rojo es una comedia que hace del drama su mejor recurso, con elementos de diapositivas y música en vivo que le aportan gracia y movimiento.  Walter Menta es el narrador y encargado del aporte musical que despierta las carcajadas del público en situaciones disparatadas generadas en conjunto con Fernando Cellier, quien realiza una interpretación magnífica y divertida, a modo de álter ego de Gabriel.  Él será quien recurrirá a la dirección de su propio guión para reencontrarse y sublimar su historia con una dulce y versátil Emilia.

 

Esta bella obra es un llamado a la reflexión, a partir del humor, sobre las historias de amor que todos tenemos y algunos que ya deberían soltar. ¿Te la vas a perder?

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¿Dónde la veo? 
Domingos 20hs
El Temenos - Av Gaona 1880 

Un placard donde nada es lo que parece

En el mítico Teatro Maipo, se lleva cabo una nueva y exquisita puesta de El Placard con la extraordinaria dirección de Lía Jelín - la directora de Toc Toc - que ya demostró ampliamente que sabe cómo hacernos reír.

La obra reflexiona a partir de una situación disparatada sobre las apariencias, los prejuicios y la búsqueda de la aceptación social, pero desde un humor desopilante que mantiene al público a pura carcajada durante todo el espectáculo.

Las increíbles interpretaciones de todo el elenco y en especial de sus protagonistas son la clave de todo.  Diego Peretti encarna un Piñón conflictuado y deprimido que hace estallar de risa a la platea desde un comienzo.  Osvaldo Santoro le brinda encanto y simpatía a su personaje y la frutilla del postre es un Alejandro Awada que le imprime a su Bermúdez un arcoíris de matices y talento que casi consigue que los espectadores se caigan de las butacas de tanta risa.

La escenografía de Julieta Ascar que se ve algo particular al entrar a la sala, se luce de modo increíble al comenzar la obra, otorgándole dinamismo.

La obra que parece hablar de homosexualidad en realidad trata mucho más que eso.  Aunque cabe destacar las participaciones desopilantes y amaneradas de Pablo Finamore que interpreta a un mozo de un Resto Gay y a Valeria Lorca en un personaje provocador y divertido.

El placard de Fracis Veber, en esta nueva versión de F.Masllorens y F.Gonzalez del Pino, es la opción ideal para divertirse y reír a más no poder, con sorprendentes actuaciones de todo el elenco y sello en la dirección de Jelín que completa el cuadro de éxito.

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¿Dónde la veo?

TEATRO MAIPO
Esmeralda 443 
Funciones de Jueves a Domingos

El infierno son los otros

A Puerta Cerrada de Jean Paul Sartre con traducción de Salvador Alfonso Sastre y bajo la dirección y puesta en escena de Adrián Tórtora es una inquietante obra que nos obliga a cuestionarnos sobre nuestros actos, aquella miseria que todos llevamos y nadie conoce.

El Laberinto del Cíclope (México 1718) es el lugar indicado para este relato, la sala se encuentra en el subsuelo, casi como los personajes que se encuentran en un infierno donde el pesar más temido es el padecimiento mental.  Aquel que nos condena, nuestra propia conciencia, pero a su vez, todos necesitamos de la redención y ésta se espera a través de la mirada de los demás.  Por eso el infierno son los otros, porque es su mirada, nuestra propia mirada, la que nos condena o nos redime de nuestros pecados.

Ahí está planteado el juego con cuatro personajes muy bien logrados y en especial la exquisita interpretación de Rodrigo Serra, quien realiza una actuación impresionante del camarero  que conmueve e inquieta. 

Además el diseño de luces y su operación en manos de Alejandro Piar, consigue ahondar aún más en el dramatismo de la escena y sus personajes.

Estelle (Flor Inchauspe), Garcin (Silvio Parapugna) e Ines (Vanesa Calaresu) buscarán su redención. ¿Lograrán salir de ese infierno?  Tendrás que averiguarlo.

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¿Dónde la veo? 
Domingo 20:30hs
El Laberinto de Cíclope
México 1718 - CABA

Cuando caperucita y el lobo, son víctimas del mismo espanto

En el Fondo, de Pilar Ruíz que se reestrenó y se presenta los Domingos 21hs en Timbre 4 (Boedo 640, CABA), trata en profundidad el tema de la trata de personas, pero desde un lugar diferente.  La historia, lejos de mostrar una postura, apuesta a indagar en la humanidad de los personajes.  A través de las bellas actuaciones de Verónica Cognioul Hanicq y Fabricio Mercado que logran, acercarnos al costado más sensible de ésta historia.

Flora y Pedro se conocen desde niños y están unidos por el amor y el horror.  Ella es una niña a quien le fue robada el alma, víctima de una infancia clandestina apenas sabe escribir y aún le teme a la oscuridad.  Como recurso para salvarse del espanto ha quedado detenida en el tiempo como una nena que le teme más a la libertad que al encierro, inocente y expectante.  Pedro, si bien parece más adaptado a su verdad,  es víctima de sus contradicciones, sus culpas y sus pulsiones.  Flora y Pedro son dos almas que buscan la salida.  Una luz en medio de tanta oscuridad.

Cabe destacar las bellas y profundas interpretaciones de los protagonistas que nos permiten imaginarlos y compadecernos, de esa historia que es la de muchos que vieron ultrajada su infancia.  Sin hacer un juicio de valor sobre ellos y quizás entendiendo que detrás del lobo muchas a veces se esconde otro niño temeroso.

Pilar Ruíz, autora y directora de la obra supo darle una vuelta de tuerca al tema.  La escenografía de Fabricio Mercado y el diseño de iluminación de Lucia Feijoó, ayudan a componer un clima que mantiene al público atónito e inmerso en un relato tenso pero conmovedor.  

Por Carina Polo

Stravaganza Tango, sin reglas para el amor

Flavio Mendoza lo hizo de nuevo, junto con Diwan lo lograron, otro de media cancha.  Los antecedentes lo avalan y la experiencia y talento lo acompañan.  Stravaganza Tango es un espectáculo que dará que hablar, a nivel de los mejores shows internacionales, el público deberá acomodarse la quijada.

Lleno de talento y virtuosismo sobre el escenario, es una obra llena de luz.  El tango, su poesía, su misterio y una historia de amor diferente.  Cuadros de acrobacia, malambo y coreografías de tango que deslumbran a la platea. 

Cabe destacar la revelación de Nicolás Vázquez en un papel hecho a su medida, explotando lo mejor del actor, su carisma y su empatía con el público que despierta aplausos durante todo el espectáculo. La platea se debate entre las risas y el asombro.

Para los más conservadores, les sugiero ir con la apertura suficiente para disfrutar de este gran show de tango extravagante pero virtuoso, un espectáculo con el sello de Flavio Mendoza, como sólo es sabe hacerlo.

Por Carina Polo

Que el sol de la escena queme tu pálido rostro

“El teatro necesita que los personajes que aparezcan en escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos”.

Así Alberto Wainer, autor de este gran tributo a Federico García Lorca se dispuso a conmover a toda la platea y lo consiguió.  A través de un espectáculo modesto desde los elementos, pero intenso y contundente desde la presencia escénica y las soberbias interpretaciones de un elenco de mujeres que cortan las respiración. 

El silencio de la sala se ameniza y profundiza con la guitarra de Héctor Romero, la percusión de la mano de Pablo Alexander y la voz de Francisco Pesqueira; la música acompaña todo el recorrido de la obra, impregnando de dramatismo un clima muy bien logrado.

Jorge Azurmendi, dirige la obra con una agudeza e histrionismo que no se ve, pero se percibe.  El homenaje está organizado a través de un narrador (Carlo Argento) que introduce al público en ciertas escenas de la carrera de Lorca, como Yerma, Rosita la soltera, Anda Jaleo y La casa de Bernarda Alba.  Cada escena, cada extracto de las obras consigue un inmenso dramatismo logrando así un Lorca auténtico, trágico, dramático.  Un Lorca a carne viva, un Lorca que eriza la piel.

Cabe destacar las memorables interpretaciones de estas actrices Ana María Castel, Livia Fernán, Maia Francia, Anahí Martella y Viviana Suraniti.  Ellas conmueven a la platea hasta las lágrimas en un homenaje que nadie debería dejar de ver, para emocionarse y conocer más de cerca el universo de Lorca, uno tan intenso como global.  Un verdadero clásico.

Por Carina Polo

Amor y risas

Muertas de Amor es un increíble y desopilante espectáculo, escrito y dirigido por Edgardo González Amer (sobre tres cuentos de María Ignacia Sansi), que habla sobre las mujeres y nuestra búsqueda –a veces desesperada- por el amor, que no siempre viene en el envase de príncipe azul.

Las talentosas Anahí Martella y Karina Antonelli realizan una divertidísima e histriónica interpretación de las escenas tragicómicas que atraviesan las mujeres en pos de una relación amorosa.  Haciendo sin querer, reflexionar -sin dejar de reír- acerca de la mirada femenina sobre el amor, las relaciones y la idealización en pos de la ilusión, por momentos a costa de cualquier precio.

Esta bella obra es la prueba de que menos es más.  Un escenario pequeño, una conexión con el público permanente, un modesto pero acertado diseño de vestuario (Alejandro Mateo), escenografía y luces (Agnese Lozupone).  Y se produce la magia.  Dos actrices que desatan risas a carcajadas en el público durante todo el espectáculo.

Cabe destacar el divertido cambio de escenas que se logra de un modo muy bien logrado, que convierte una limitación de recursos en un excelente momento, casi grotesco que los espectadores agradecen.

Muertas de amor, se presenta en el Teatro El Piccolino (Fitz Roy 2056, CABA) cada sábado, como una propuesta imperdible para reírse y terminar bien la semana.

Por Carina Polo

Como les guste

En el Teatro de la Comedia (R.Peña 1062) se presenta “Como les guste” una hermosa y divertida versión de la comedia de William Shakespeare, adaptada y dirigida por Jorge Azurmendi.  Repleta de enredos, herederos y desterrados mantiene al público expectante durante toda la obra.

En ese bosque convivirán personajes tan divertidos como entrañables.  Esta versión cuenta con un talentoso elenco donde destacan Maia Francia en el conmovedor personaje de Rosalinda quien se transformará y hará uso de las apariencias para acercarse a su amor.  Pero no estará sola, Julían Pucheta interpreta un desopilante bufón que sabrá conseguir las risas del público durante toda la obra. 

Cabe destacar las dulces y talentosas voces de Mike Zubi y Florencia Otero, que deleitan con cada interpretación.  Y la música en vivo hace lo suyo e hipnotiza desde incluso antes que inicie el espectáculo, con los arreglos y la guitarra de Yago Escriva y en violín Ernestina Inveninato. 

El sencillo y bello vestuario de Camila Castro y el diseño de espacio de Pablo Calmet, ponen el moño a lo que culmina por ser una hermosa comedia, divertida y profunda, que trata sobre las apariencias, el valor, la hipocresía y sobre todo – como no podía ser de otra manera tratándose de William Shakespeare – del amor.

Como les guste, es una bella versión de Shakespeare sumamente accesible, incluso para aquellos que nunca hayan leído la obra, y les garantizo que luego de verla, se sentirán atraídos por la gran obra de este deslumbrante autor que siempre es un placer para los sentidos.

Por Carina Polo

Guayaquil, otro modo de ver la historia

Lejos de toda la solemnidad de la educación escolar, Mario Diament toma el encuentro de los libertadores de América San Martín y Bolivar, ubicándolos en su misteriosa reunión en Guayaquil y junto a Manuel Iedvabni nos invita a explorar otra historia.  Como el autor ya nos tiene acostumbrados ahonda en el factor humano,  sus pasiones, sus debilidades y por qué no, sus miserias. 

El público se mantiene expectante durante toda la obra, sorprendidos por ésta nueva manera de mirar la historia.  Edgardo Moreira (San Martín) interpreta de modo extraordinario, un Libertador mucho más humano, algo arrogante y apasionado.  Intenso en su relación con la batalla y con el amor.  Por otra parte Bolivar, interpretado por Pablo Razuk se apersona como un ambicioso y soberbio Libertador.

Ambos héroes de la historia latinoamericana van diseñando sus propias estrategias durante toda la obra, en un recurso muy bien logrado, con la iluminación y la escenografía, en un gran juego de dirección, en donde a modo de jugada cada uno especula el movimiento del otro; y es aquí donde se tornan de vital importancia Rosa Campuzano (Georgina Rey) quien mantenía una relación con San Martín y  Manuela Saenz (Ana Yovino) quien fue la compañera de Bolivar.  Ambas mujeres serán mucho más que una compañía.  Desatarán amores, pasiones y deseos que cambiarán el rumbo de la historia.

Todo comienza con un historiador que intenta reconstruir la historia de Guayaquil, sobre la que no hay documentación y un chal rojo, será la puerta que se abrirá a la luz de la verdad y sus turbulentas pasiones.

Por Carina Polo

ND TANGO - Adriana Varela

El 19 de marzo se llevo a cabo la tercera presentación de ND Tango en el ND Ateneo de la mano de su madrina, la voz femenina del tango, Adriana Varela.
El show comenzó con la aparición de la pareja de baile que se lució sobre las tablas danzando al ritmo del 2x4. Luego continuó con la participación de Vruma un conjunto musical con un estilo propio y muy particular.
"Metí la pata" bromeo la Gata a raíz de la férula que veía el publico que llevaba en su pierna y la obligo a estar sentada casi todo el show. Sin embargo, aun presa de su inmovilidad Adriana Varela consiguió conmover a su público que, como de costumbre agradeció que ella, le pusiera cuerpo y alma a su repertorio.
En esta ocasión cantó los clásicos como Tinta Roja, Garganta con Arena en homenaje al Polaco e hizo una versión preciosa de la canción Tumbas de la Gloria de Fito Páez.
El espectáculo fue muy emotivo y con gran participación del público. Otra sorpresa fue el bandoneonista Nicolas Perrone de 26 años, un virtuoso que "toca como los de antes" decía la Varela.

Adriana Valera dio un show emotivo, íntimo, enérgico y pasional.  El publico conmovido y agradecido se retiró anhelando el próximo encuentro.

Por Carina Polo

Un policial con sello propio

El nuevo film de Miguel Cohan es una película de género, un gran policial de industria nacional.

Basado en el libro homónimo de Claudia Piñeiro, el largometraje cuenta con las  increíbles actuaciones de Mercedes Moran, Daniel Fanego, Hamman y las estelares participaciones de Lito Cruz y Norman Briski.

Nurit (Mercedes Moran) es una escritora de novelas policiales que es convocada para escribir en un periódico sobre un misterioso asesinato. Brena (Daniel Fanego) es un periodista de la vieja escuela que pese a ser casi jubilado por obligación (Alberto Amman) ayudara junto con el novato a betibu a investigar el crimen.

En medio de la investigación se darán cuenta que la muerte fue solo el comienzo y que existe un abismo entre ficción y realidad.

Esta película es un policial con todas las letras, pero por sobre todo, muy nuestro. Con diálogos brillantes y divertidos; los que se lucen en las manos de Mercedes Moran y Daniel Fanego.

Los hermanos Cohan demuestran que se puede hacer cine nacional interesante y entretenido.

Por Carina Polo

Humor de Culto (CINE)

Por un puñado de pelos es el nuevo material del reconocido director Néstor Montalbano,  - conocido por éxitos como “Cha cha cha”, “Todo por dos pesos” y “Pájaros Volando” – quién en ésta oportunidad no defraudará a sus seguidores y les concederá una comedia disparatada al estilo de todas sus producciones anteriores.  La comedia cuenta con los protagónicos de Nicolás Vazquez, Rubén Rada y Carlos “el Pibe” Valderrama;  junto a Norma Argentina, Daniel Ferryera, Natalia Sánchez Cortez, Ivo Cutzarida, Andrés Rey, Beatriz Fernandez, Jaime Ramirez Navarro y Nicolás Paez.

La película cuenta la historia de Tuti Turman (Nicolás Vázquez) un joven millonario que vive en la gran ciudad, rodeado de lujos y placeres, pero atormentado por no tener pelo; hasta que un día, el encargado de su edificio  Héctor (Daniel Ferreyra) debe viajar a su pueblo para celebrar el cumpleaños de su abuela que cumple cien años, al contarle la historia de su abuela, también le cuenta la leyenda del “Chapí” el santo local Patrono de la Buena vida y del Cabello y su cascada, un sitio que promete mucho pelo a quien se moje en sus aguas.  Tuti Turman, conmovido con la historia y expectante de ese milagro decide acompañarlo.

Al corroborar las propiedades de la cascada el joven millonario decide generar un gran emprendimiento a nivel internacional, sin embargo nada resultará como lo esperaba.

Rubén Rada interpreta a un extraordinario Machaco, cuñado del portero, quien al igual que muchos lugareños defienden su historia y temen las consecuencias de no respetar al “Chapí”.

Mientras que “el Nemesio”, encarnado por Carlos “el Pibe” Valderrama, es el extravagante Alcalde  que pone el foco en las gratificaciones que tendrá para el pueblo.

Por un puñado de pelos es una comedia de culto, a las que nos tiene acostumbrados Néstor Montalbano, llena de personajes desopilantes para reírse a carcajadas pero también trata el tema de las costumbres y el respeto a la cultura, de un modo diferente, nos permite reflexionar a partir del humor.

Por Carina Polo

Un secreto y muchas risas

Negro y Blanco y Sangre se estrenó en el Teatro Premier (Av. Corrientes 1565), una de las comedias más frescas y divertidas de la cartelera porteña.

La obra de Jorge Medina, dirigida por Carlos Evaristo promete risas y carcajadas en un desopilante espectáculo basado en secretos y enredos en una comedia que cuenta con los protagónicos de Marta Bianchi y Germán Kraus que son ovacionados durante toda la obra.

La bella escenografía de Alejandra Vilar, se centra en una habitación con una cama matrimonial, una cómoda con espejo, una silla y una ventana que comunica con el exterior donde una fiesta de casamiento se esta celebrando mientras que en esa habitación otra historia esta sucediendo.

Los recién casados son los personajes de Miguel Habud y Silvina Scheffler, una familia de rubios, acomodada económicamente, aunque no todo será lo que parece.  Emiliano Rella interpreta al hermano de la novia, algo excéntrico pero entrañable. 

Germán Kraus y Marta Bianchi son la frutilla del postre, los personajes protagónicos  y actractivos de la obra.  Actores de mucha trayectoria que se lucen durante todo el espectáculo.

Cabe destacar las actuaciones también de Paula Volpe y Sabrina Olmedo que le brindan espontaneidad y ese toque de humor acido que el público agradece. Momentos donde se luce el oficio de ambas figuras.

Negro y Blanco y Sangre es la historia de una familia de rubios que actúan como rubios pero que ocultan un secreto familiar, un agujero negro en la familia que se develara en el peor momento poniendo en riesgo la blonda estirpe.

Por Carina Polo

El Misterio de los Vínculos

Hace tiempo que Burman fue desarrollando su propio estilo y retórica hasta convertir su trabajo en cine de autor, ese tipo de películas que la gente asiste a ver porque ya sabe de algún modo que tipo de largometraje verá.  El misterio de la felicidad no escapa a esa premisa, es una comedia romántica, tierna y con sutiles toques de humor, pero una comedia en manos de Burman es una película que profundiza en los personajes y en los vínculos, en una introspección inusual en el cine argentino pero característico de su director. 

El misterio de la felicidad, cuenta la historia de Santiago (Guillermo Francella) y Eugenio (Fabián Arenillas) que son socios de toda la vida, dueños de una tienda de electrodomésticos – con una importante oferta para venderla- que comparten una rutina de socios, amigos inseparables y simbióticos hasta que Eugenio desaparece.

Laura (Inés Estévez) ante el vacío inexplicable e injustificado - de su esposo Eugenio - se hace presente intentando ocupar el lugar de Eugenio y así junto a Santiago (Guillermo Francella) angustiado por el ausente, intentan revelar que ocurrió.

Inés Estévez en un mágico regreso a la actuación nos regala una Laura cargada de emoción, casi desbordada pero buscando una explicación más que un regreso.  Guillermo Francella sigue sorprendiendo con personajes variopintos donde demuestra su gran capacidad para hacer reír pero también emocionar; y en este Santiago desesperado por llenar ese vacío se replantea su propia vida y los sueños.

El misterio de la felicidad en realidad reflexiona sobre los vínculos, la amistad y el amor en planteos existencialistas que logran una película tierna, divertida y algo melancólica.

Santiago y Laura harán lo posible para encontrar la respuesta a su ausencia y mientras tanto surgirán interrogantes sobre su propia vida que los hará replantearse la lucha por sus propios sueños.

Fiel a su estilo Daniel Burman nos brinda esa clase de film que se sigue digiriendo con el pasar de los días, siempre rodeado de muy buenos actores, aquellos que se animen a revelar un poco de su alma.  Esta película reflexiona sobre el amor y los sueños de un modo que sólo Burman puede lograr.

Por Carina Polo

EL MISTERIO DE LA FELICIDAD
Género: Comedia dramática.
Estreno en Argentina: 16 de enero de 2014.
Elenco: Guillermo Francella, Inés Estévez, Alejandro Awada, María Fiorentino, Fabián Arenillas, Sergio
Director: Daniel Burman.
Productores: Diego Dubcovsky, Daniel Burman.
Coproductor: Axel Kuschevatsky.
Productores ejecutivos: Diego Dubcovsky, Jimena Blanco.
Guion de: Daniel Burman, Diego Dubcovsky.
Música original de: Nico Cota.
En Facebook: www.facebook.com/burmandubcovsky

Boris, Silvina Escudero y Claudia Ohana. 

Sinopsis: Santiago (Guillermo Francella) y Eugenio (Fabián Arenillas) son más que amigos: son socios de toda la vida en un negocio de electrodomésticos. Se entienden sin hablar, se complementan, se quieren, se necesitan. Hasta que un día Eugenio desaparece sin dejar pistas ni huella alguna. Santiago advierte de inmediato la ausencia de su amigo, pero recién comienza a sentir su partida cuando Laura (Inés Estévez), esposa de Eugenio, con una mezcla de dolor y desesperación le asegura que Eugenio se fue, que los dejó.
Así, Santiago y Laura comenzarán a transitar el camino de la búsqueda pero, en el trayecto, ambos se darán cuenta de que ya no quieren encontrarlo.

Dirigida por Daniel Burman (La suerte en tus manos, Dos hermanos, El nido vacío) y con un elenco que incluye también Alejandro Awada, María Fiorentino, Silvina Escudero, Sergio Boris y Claudia Ohana, EL MISTERIO DE LA FELICIDAD es una película de amor que trasciende los límites de su propio género para ir más allá. Centrada en las relaciones, la historia ahonda en los conceptos sociales de la fidelidad y la traición y pone decididamente los sueños por delante, en lugar de esos muchos pactos ya vencidos entre los seres humanos.
Distintiva y natural

Así podemos llamar a la cálida pero potente voz de Laura Celso quien continúa con la presentación de su primer disco como cantautora “Natural” que tuvo lugar el pasado jueves 21 de noviembre en Moulin Bleu (Rodriguez Peña 411), un lugar especial que no hizo más que acentuar el clima de celebración que invadió la noche.

Durante el espectáculo interpretó su corte promocional “Don´t leave me”, escrito originalmente en ingles – como varios de los temas del disco – y que cuenta con el primer video clip.  Además de hacer sonar como ella sabe los temas nuevos de su disco, también interpreto temas clásicos de su repertorio homenajeando a The Queen, The Guns and Roses (sweet child ond mind) y muchos otros artistas, como el caso de la reconocida Soraya, con su tema “Casi”, tema con el que eligió cerrar su show a pedido del público que se resistía a irse sin escuchar otra canción.

Laura Celso, ha descubierto un seño propio, hacer de su voz y su estilo algo reconocible y original.  Con la ayuda de Ezequiel Bauza (productor del disco), lograron hacer de su fuerza, gran caudal de voz y su impronta sobre el escenario una artista que va por más.  Cabe recordar que hace varios años que se viene preparando y bajo la influencia de sus artistas preferidos, cantantes de la década del ´50 como Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Sarah Vaughan y su pasión por el jazz y el soul, Laura Celso y su banda consiguen destacar en un sonido único y reconocible.

Cabe destacar la gran participación de la banda que la acompaño Martín Lohrengel en Piano y Dirección musical, Marco Maciel en Bajo y Cros, Manuel Caizza en Batería y Juan Pablo Ordoñez – a quien sólo le faltaba una peluca para ver a Slash – en guitarra.  Entre todos consiguieron realizar un show  para lucirse.

Por último, conviene recordar que los CDS están a la venta en la disquería Notorius  (Callao 966, C.A.B.A.), para poder acercarse a Laura Celso, una artista que dará que hablar.

Por Carina Polo

Atrapados ... (en la risa)

Cada viaje implica una aventura, una incertidumbre, quizás algún temor respecto del destino. Aquí Marlon será el capitán, quien los lleve a través de este viaje, elcoach que los guiará hacia ese ascenso que tanto desean.  Pero ¿qué están dispuestos a hacer para conseguirlo?

El coach, es una comedia cruel y por momentos perversa que reflexiona sobre lo que somos capaces de hacer para obtener lo que deseamos; sobre los límites propios y ajenos al momento de competir por un mismo objetivo; sobre el deber y el poder hacer.  De un modo inteligente y basada en el libro "El Coordinador" del dramaturgo chileno Benjamín Galemiri,  Lara Sedeño y Gabi Lorenzoni responsables de la puesta en escena de la obra, consiguen la risa de público casi permanente, a través de situaciones muy comunes a cualquier espectador.  Todos alguna vez han sido sometidos o han sometido a alguien y ¿y hasta donde llega la lucha por el ascenso social? ¿Por ser alguien?  Todas estas cuestiones se plantea la obra que consigue la tensión necesaria para que el público estalle de risa pero sin dejar de sentirse atrapado en ese ascensor.

Marlon (Alfonso Renna) es el ascensorista, el coach, quien los somete pero a la vez los enfrenta a sí mismos, de cierto sadismo, pero el primero en temblar cada vez que se detiene el ascensor, reflejando esa dualidad y el interrogante de hasta qué punto quien somete no fue alguna vez sometido y qué sometido no ruega por el cambio de rol.  Milan (Jóse Fernández) representa el sometido por excelencia, sumiso hasta el fastidio será víctima de toda clase de burla, una burla tan corriente en nuestros tiempos a quién no se muestra como fuerte, ágil y despierto, como quien no está dispuesto a llevarse el mundo por delante.  Brigitte (Cintia Zaraik Goulu) aspira a ser interprete ese viaje en ascensor cambiará su rumbo y sus prejuicios.  Frank (Alfredo Deri) padre del investigador privado del edificio tiene mucho que esconder, un personaje oscuro que hoy se deja someter, parece ayer haber estado del otro lado del muro, tensión que se respira en la sala.

El Coach es una comedia cruel pero que reflexiona sobre una sociedad igual de cruel de la que todos formamos parte, es una posibilidad de reírnos de nosotros mismos pero además de replantearnos que deseamos y de qué forma deseamos obtenerlo.

El viaje está por finalizar, este viernes es la última parada, te lo vas a perder???!!!!

Por Carina Polo

VIERNES 20:30HS  -   ESPACIO COLETTE, PASEO LA PLAZA (Corrientes 1660)

Invitación a enamorarse

¿Quién no soñó alguna vez con el príncipe azul, casarse de blanco y la mar en coche? 
El que esté libre de pecado... 
Quiero el beso es una invitación a recuperar la fe.

A sentirse enamorados, a flotar y que las cosquillas en la panza vuelvan a robarnos una sonrisa.  Porque estar enamorados es eso, es creer en el infinito, es apostar a la eternidad.   Es la ilusión de un mundo mejor, un mundo que crearon para compartir Florencia Muriel González y Martín Dichiera, autores de la obra.

Ésta bella historia de amor, está situada en el año 1947 en Suipacha -una localidad ubicada al norte de la provincia de Bs.As. – un pueblo donde la cotidianidad abruma a los que sueñan con otra vida y la rutina sofoca vidas como la de Lucía (Mariela Passeri), una costurera que vive con su madre;  cansada ya de ver pasar el tren y agobiada por el destino inevitable asiste a un baile por insistencia de su madre, sin saber, que a partir de ese día nada será igual.

La vida de pueblo a veces sumerge a sus habitantes en la oscuridad y así se siente Carmen (Melisa Labat), una maestra comprometida para casarse con el hombre más poderoso del pueblo.  Portadora de apellido y estirpe, ella no soñaba con ser maestra, sino con pasear por Mar del Plata, Buenos Aires, París, con los mejores vestidos y en Suipacha se siente prisionera.

Sin embargo, un día como cualquier otro, llega al pueblo Francisco  (Francisco Ruiz Barlett) él es un vendedor de campos, un hombre misterioso y encantador.  Tan ambiguo como fascinante.  Los tres serán parte de una historia de amor que cambiara sus vidas para siempre.

Quiero el beso es un espectáculo musical conmovedor, de historias mínimas pero comunes a todos que reflexiona sobre las ataduras, los mandatos y la lucha por cumplir los sueños, pero la clave está en la interpretación a fondo de los personajes; con una costurera que interpreta Mariela Passeri resignada y melancólica pero con una dulzura en la voz que eriza la piel.  Melisa Labat, además de ser la responsable de las letras, encarna la pasión y la desmesura contenida tras ese delantal que la aprisiona hasta que conoce a Francisco, el personaje de Francisco Ruíz Barlett, un príncipe que desvela a estas mujeres con esa mirada, que no teme enamorar.

Cabe destacar la bella música original de Hernán Matorra, la interpretación de sus protagonistas en cada canción y a Julieta Iglesias que en vivo y frente al piano le brinda el toque de magia a la obra.

También se luce la bella escenografía de Maxi Vecco, con una suerte de ante panel donde se pueden visualizar los efectos multimedia muy bien logrados que van generando los climas de la obra.

El evidente que a Florencia Muriel González, el ser coautora del libro le otorgó una mirada más íntima y personal a la hora de dirigir, brindando una calidez inusitada que se disfruta en la obra.

Quiero es beso, es una proclama romántica a seguir creyendo en el amor, que si bien a veces duele, nos demuestra que estamos vivos.  ¿Te querés volver a enamorar? Cada martes a las 21hs en EL ÓPALO (Junín 380), tenés la oportunidad.

Por Carina Polo

Verdad o Consecuencia. Todos tenemos algo que ocultar

Como en aquel juego de niños donde uno debía elegir entre contar la verdad o realizar una prenda (consecuencia), Santiago Murray encarnado por Gonzalo Heredia se encuentra en medio de la encrucijada de su vida.  Recién de regreso de un largo viaje a Europa vuelve como cura al barrio que lo vio nacer y donde si bien quiere ayudar y colaborar, su misión será mucho más compleja.

Patricio Branca (Carlos Belloso) es un psicólogo que está en crisis, sus pacientes lo atormentan con sus historias de abusos e injusticias  y la impotencia lo hará tomar la decisión de jugar a ser dios.  Sin embargo confesará sus crímenes ante el cura quien víctima de un juego macabro quedara preso del sigilo sacramental – que le impide a los sacerdotes contar lo escuchan en confesión – y deberá buscar la forma de detener los asesinatos.

Durante la investigación aparece Carla Aguirre (Eleonora Wexler), ex novia de Santiago (G.Heredia) convertida en abogada de la fiscalía, quien intentará ayudar al cura al mismo tiempo que su historia de amor resurgirá en busca de respuestas.

“Omisión” la ópera prima de Marcelo Paez Cubells, de la cuál es también su guionista, es un atrapante thriller policial y psicológico con tintes de suspenso.  Sustentada en las interpretaciones de un equipo de actores que se entrego por completo a la historia.

 Gonzalo Heredia, de barba crecida y unos kilos de más, demuestra una madurez a la hora de afrontar un personaje bien diferente de lo que venía haciendo, lleno de historias que el personaje casi no relata, tuvo un gran trabajo para que el personaje pudiera contarlo.  Eleonora interpretando una abogada con una gran historia de amor, firme y fuerte, con el talento que nos tiene acostumbrados.  Carlos Belloso en un siniestro psicólogo, un personaje oscuro pero con fines de justicia, con la seriedad que Belloso interpreta cada trabajo, poniendo todo de sí, animándose a los bordes.  También destacan las actuaciones de Marta González, María Fernanda Callejón, Lorenzo Quinteros y Gonzalo García Luna. Como así también el trabajo de fotografía de la película.

Marcelo Paez Cubells elige como temas el barrio, la iglesia, los abusos y la omisión como para reflexionar desde otra mirada, a través de la ficción -quizás sin quererlo- cuestiona las instituciones y la complicidad del silencio (virtud de la ficción, de aportar otra visión de las cosas).

El estreno será el 21 de noviembre donde seguramente el público no pecará de omisión.

Por Carina Polo

Una inyección de energía

Si existiera un día ideal para una obra, aquí se hace justicia, porque la perla creada por los hermanos Matías y Alejandro Ibarra, no pudo haber escogido mejor día para empezar la semana a full!

El Club de Hit es un shock anímico, una fiesta que tiene lugar cada lunes en El Cubo (Zelaya 3053) y que día a día, de boca en boca se va propagando.

Al ingresar a la sala, el programa advierte que "estamos a punto de ver un show choir" pero ¿de qué se trata? "un Show Choir es un coro en dónde sus miembros combinan el canto coral con el bailes en un repertorio de música popular".

Desde un comienzo se percibe el buen clima, la gente del cubo - alegres y en medio de chistes- colaboran para que cada uno se ubique en su lugar, pero luego aparece, se da, simplemente sucede; unas pelotas gigantes ingresan a la sala y proponen un juego.  El público enseguida se entusiasma y entre sorpresas y risas los espectadores se convierten en parte de show.

El Club del Hit da inicio y ya todo es una fiesta.
Cabe destacar el despliegue de energía y la fuerza que transmiten los 30 artistas que cantan y bailan durante todo el espectáculo.  Además se puede percibir el gran trabajo de equipo donde cada detalle se tuvo en cuenta; cómo el gran diseño de luces de Soledad Rivera o el vestuario de la mano de Javier Ponzio, dos elementos fundamentales para que se luzca el show.

Otra particularidad del Club son los invitados que varían cada semana aportando un brillo especial, artistas consagrados de la comedia musical que aportan su talento para contribuir a la magia.  Tal fue el caso de Federico Salles, quién el lunes 4 de noviembre supo conmover al público con su gracia y su talento, interpretando canciones populares como “El amor después del amor”  (Fito Paez).

No se diga más, el Club del Hit es una verdadera fiesta, te la vas a perder???

Por Carina Polo

Danza para enamorarse

El humo que envuelve la noche invade de pronto la sala y atrapa la atención de los presentes generando un misterio que permanece y se acrecienta con cada movimiento.

Elia Mrak, Matthieu Perpoint, Juan Velázquez Cardona, Magalí del Hoyo y Martín Piliponsky componen un pentagrama, una canción, cinco cuerpos y una misma energía, almas que confluyen para darle sentido a través de la danza a una canción de amor.

One love song es una obra diferente, que se vale de la danza para conmover y Martín Poliponsky gran coreógrafo y bailarín es quien dirige la bella partitura de esta historia; cuatro hombres y una dama en la que por momentos participan en duetos, tríos y otros como solistas.  Donde cada uno se luce y en conjunto brillan como unidad, generando un clima que explota al sonar “Georgia en mi mente” de Ray Charles, estallando los sentidos.

One love song es un espectáculo para enamorarse.

Por Carina Polo

Jugar con fuego...

A la hora de la siesta, mientras los adultos duermen lo niños aprovechan para jugar; libres y sin censura son protagonistas, cómplices y víctimas de juegos que son de mentira pero se hacen verdad, una verdad difícil de digerir pero no por eso menos cierta.

Virginia Lombardo hoy directora de la obra que supo protagonizar en el año 1976  - y que fue prohibida por la dictadura militar en 1978- propone el clásico argentino de Roma Mahieu en una puesta más vigente que nunca.  Protagonizada por Erica Hardt, Romina Palermo, Daniela Santini, Cecilia García Moreno, Fiorella Camji, Caludia Blanco, Cande Llona y Florencia Taboada.  Ocho mujeres que se entregan por completo a una puesta diferente, la densidad femenina se hace sentir.   El erotismo y sadismo también son protagonistas de la obra.  Una metáfora sobre la infancia y la violencia, sobre la ingenuidad y la impunidad en un juego de niños que resulta fatal.

Juegos a la hora de la siesta, permite reflexionar sobre los niños y sus juegos, sobre los roles bien definidos pero híbridos al mismo tiempo, sobre el bulling (tan actual por estos tiempos).  Cecilia García Moreno interpreta a Andrea, la líder del grupo, siniestra y autoritaria ella es la ley y así lo hace sentir, con gestos abusivos haciendo uso de discriminaciones y humillaciones, mantiene a cada una en su lugar, Cecilia GM consigue mantener expectante al público que aún ignorando el parentesco (sobrina) con Charly García, podrá percibir que lleva el arte y la intensidad en la sangre.  Florencia Taboada encarna uno de los personajes más delicados, ella es Juli “la subnormal”, víctima permanente de la burlas y chistes de mal gusto, quien a causa de su extrema ingenuidad, es convertida en el chivo expiatorio del grupo, aunque será el personaje de Romina Palermo –acusada de ser la hija de una prostituta- la depositaria de la saña grupal.

En las tardes mientras todos duermen, el sucucho  es el sitio donde las niñas juegan: a ser grandes, a ser niñas, a casarse –cabe destacar la increíble voz de Cande Llona para entonar el Ave María-, a ser estatuas, a ser santas y a ser putas.  El espectador de modo inevitable recuerda su propia infancia, sus propios juegos y hasta puede sentirse identificado sin saber que lo análogo resultará peligroso. 

Juegos a la hora de la siesta es una obra intensa, profunda y reflexiva, una puesta donde cada protagonista se entrega de lleno al personaje convirtiendo en verdad esos juegos infantiles que empiezan con inocencia pero que terminan de la peor manera.

 Por Carina Polo

Fusión que conmueve

Baldomero Cadiz, uno de los principales artistas flamencos de la Argentina, presentó el 5 de octubre en el Teatral Astral, B&B - Boleros y Blues-  su próximo disco homónimo que será editado simultáneamente en nuestro país y en España.

A priori uno piensa en boleros y blues y suena un desafío complejo de amalgamar, sin embargo, el cantaor flamenco logra conmover a un público que vibra con cada canción donde los distintos géneros confluyen en la intensidad y la fuerza de Baldomero, que eriza la piel de toda la platea (en especial la femenina) que suspira con los temas de Sandro, casi rememorando a sus nenas.

Durante el show se pudo disfrutar de un repertorio amplio y variado, desde canciones de Manzanero (Por debajo de la mesa), Chico Novarro (Como), Sandro (Así, Penumbras), Menphis la Blusera (La Bifurcada), La Mississippi (Café Madrid), Pappo (Desconfío) y muchos otros.

Baldomero Cadiz estuvo acompañado por una banda increíble de músicos en vivo; David Cantoni -impresionante- en el saxo, Diego Goldszein en contrabajo y bajo, Martín Lambert en la batería y Nahuel Bailo en el piano y la dirección musical.  También lo acompañaron, cuando llegó el turno del Blues (porque el espectáculo estuvo dividido en dos segmentos, por género); Carla Maieli y Manuela Nunez en coros y Gabriel Esposito en voz y coros.

Cabe de destacar que B&B ya tiene un futuro promisorio.  Baldomero Cádiz en conjunto con Jorge Mazzini, director y productor del espectáculo; lograron demostrar que el bolero y el blues tienen mucho que ver cuando se los fusiona con la intensidad y la fuerza del flamenco, una alquimia que dará que hablar.

Por Carina Polo

Vivir para trabajar, no es vida!

Los Call Centers son desde hace años el principal ingreso al mundo laboral, el primer trabajo en muchos casos (que en algunos dura unos pocos meses y en otros se extiende por años).  Sin embargo quien haya pasado por ahí, bien sabe que no suelen caracterizarse por tener las mejores condiciones laborales.  Sin embargo, forman en sí mismos un universo -ya sea por el tipo trabajo, por los francos rotativos o por la des humanización que se impone- donde las relaciones y la forma de vincularse se tornan relevantes; amistades que en otro contexto no durarían una semana, aquí se vuelven indispensables hasta el punto del absurdo; y eso les ocurre a Pedro, Hernán y Darío, tres compañeros de trabajo que presos en una rutina ingrata donde sólo se los considera un número, sueñan con poder escapar y ser libres para hacer lo que verdaderamente desean.

 Telemarketers, con la ingeniosa dirección de Micaela Fariña logra darle una vuelta de rosca para evitar caer en el lugar común de relatar la cotidianidad de un ritmo de trabajo esclavo y agobiante; y en su lugar consigue a través de una parodia tragicómica, con momentos de intenso humor negro (donde el espectador no sabe si reír, aplaudir o sentirse compungido) y unos toques algo grotescos, hacernos participar de esa atmósfera tan particular como propia de cualquier persona que se debate día a día entre ir a ganarse el pan o enfrentarse a su deseo e intentar cumplir sus sueños.

Martín Bustos, Gonzalo Quintana y Uriel Einstoss son los tres protagonistas que por medio de sus  interpretaciones, canto y bailes consiguen una casi inmediata empatía con el público que aplaude y se ríe a carcajadas, agradeciendo por qué no?, reírse de sí mismos.

Telemarketers es una hermosa y divertida obra, no por eso menos profunda que se vale de muchos recursos para contar algo común a todos pero de una forma muy particular.  Es una propuesta que con pocos recursos escenográficos pero muy bien logrados por Romina Mengarelli,  y el gran trabajo de sus protagonistas y de Fariña consigue reflexionar y divertirse en un 2x1 emocional.  Una propuesta ideal que se presenta cada viernes en el Portón de Sánchez a las 21hs.

Por Carina Polo

Hay amores que matan

“Había un solo túnel, oscuro y solitario, el mío, el túnel en el que había transcurrido mi infancia, mi juventud, toda mi vida..."

Roberto Ibáñez, el actor y dramaturgo, consigue en esta nueva versión del Túnel -de Ernesto Sábato- una intensidad y profundidad destacables, como así también una interpretación colmada de suspenso y matices que el público agradece.

Al ingresar a la sala de la Ranchería, se percibe un escenario despojado, de pocos elementos; una máquina de escribir y una pileta, que se tornaran recursos indispensables de la puesta.  La escenografía y diseño de luces, fueron otro gran aporte del director Andrés Bazzalo, una mirada que señala el rumbo de una versión que llega a muy buen puerto.

El túnel es una obra para disfrutar y para bucear en las profundidades del alma, la fuerza del amor y de la locura como dos caras de una misma moneda.  Ibañez y Bazzalo nos acercan esas emociones tan oscuras como humanas.  De la mano del pintor Juan Pablo Castel desde la ansiedad de su amor y todo el camino que atraviesa hasta el inevitable y trágico final de la historia.

Para quienes han leído la novela, esta obra es una perla para aprovechar una bella e inquietante versión.  Pero para quienes no han tenido el gusto, éste espectáculo les despertará unas ganas irrefrenable de leerla al concluir la obra.

La primera adaptación en manos de Roberto Ibañez fue en el año 1996, la misma se dio con gran éxito, luego de la cual surgieron giras y múltiples reconocimientos, incluso de la mano del propio Ernesto Sábato que elogio la obra.

En ésta oportunidad se presentan por ocho únicas funciones en la Ranchería, los días viernes a las 21hs, no te pierdas la oportunidad de acercarte a éste clásico de la literatura argentina.

Por Carina Polo

Reír para Sanar

Si de verdad la risa sana, éste espectáculo les garantiza salud eterna.

Vida, el  musical de Rodrigo Rivero y Jorge Soldera es una puesta maravillosa, impactante y llena de talento; un gran trabajo de equipo donde el todo resulta más que la suma de la partes. 

Al ingresar al Chacarerean Teatre ya se recibe al público con una gran pizarra que los interpela diciendo “Y vos ¿en qué crees?”, a la vez que los invita a participar y escribir su respuesta.  Los acomodadores ubican a los espectadores que sorprendidos notan la presencia de la banda en vivo que se sitúa delante del escenario conformada por Agustín Amaya (dirección musical y teclado), Francesco Mazza (Guitarra), Leandro Miquet (bajo) y Tomas Shannon (batería); quienes vestidos con túnicas acompañarán todo el espectáculo sumando en intensidad.

El elenco se saca chispas de tanto talento, sin hacer sombra y permitiendo y disfrutando con el lucimiento de todos, Vida es una obra que deslumbra desde lo interpretativo, lo musical y lo coreográfico, donde a las claras se nota que ningún detalle quedó librado al azar.

Alfredo Bonini, interpreta a un taxista devenido en manochanta que intentará formar su congregación pero nada resultará como esperaba.   Sol Montero será su asistente algo ecléctica será la primera en creer en sus poderes.   Ayelen Varela, una joven acomplejada por su baja estatura, se sumará aunque algo excéptica. Deborah Turza, es la puritana que sorprenderá en una performance para destacar, una apuesta fuerte que dejará al público atónito.   Horacio Vay constituye el personaje más pintoresco, una demostración de histrionismo también destacable. Enrique Cragnolino, será el hombre que no conoció el amor, un hombre callado cuyo misterio cautivara a todos.  Triz Olivera, es la glamorosa diva que no se resigna al olvido y usará a Emiliano Sansone como su asistente, la loca gay que esconde también su secreto.  Juan Mendé y Juan Quiro serán los bailarines que divertirán al público con cada aparición.

Durante todo el espectáculo se irán luciendo cada uno, a partir de sus performances y sus canciones, que cuentan con la autoría de Rodrigo Rivero y la música original de Jorge Soldera dos experimentados que demostraron una vez más su gran pericia y creatividad.  Las coreografías de Nicolás Bertolotto también conforman el excelente trabajo en especial en la coreografía muy bien lograda del Subte. El vestuario original y acondicionamiento de Beatriz Pertot y Jorge Maselli también están muy bien logrados.

Por último y no menos importante el diseño de programa de mano de Ruben Romero es impecable, un programa donde constan todos los nombres y sus trayectorias, donde una vez más se percibe el gran grupo de trabajo que han logrado formar.

VIDA es un musical increíble, divertido, repleto de buenas interpretaciones, buenas canciones y bellas coreografías; una obra que reflexiona sobre los vacíos y la necesidad de buscar un alivio espiritual, una paz interior.  Definitivamente un lugar para cargar energías sanadoras si de risa se trata.

Por Carina Polo

Educar con el amor

El Auditorio Losada abre sus puertas para recibir a ésta  tierna y bella historia que habla sobre la libertad, la educación y las diferencias sociales; con un texto impecable de Willy Russell e interpretaciones llenas de humor y picardía, logran la risa constante del público.

Javier Lombardo y Lizzy Mansilla son los protagonistas pero a su vez también llevan adelante la dirección de la  obra, poniéndose al frente de la obra en todos los sentidos posibles, desafío del que salen airosos.  Lombardo interpreta a Fran un poeta devenido en profesor frustrado y alcohólico que observa el irremediable deterioro de su vida y su carrera, un personaje algo oscuro y con un gran sarcasmo que despertará las carcajadas del auditorio en más de una ocasión.  Lizzi en cambio es Rita, un personaje tierno y cómico, una peluquera de barrio que quiere empezar a estudiar y salir de su pequeño mundo.  Los modales de Rita y su picardía cautivarán a Fran, sorprendiéndolo en una lección de vida, donde ambos aprenderán del otro.

La bella escenografía de José Daniel Menossi, cuenta con unos pocos muebles que conforman el aula donde sucede la acción y junto con un buen diseño de la iluminación de la mano de Paula Fraga completan la puesta.

Educando a Rita es una tierna comedia que permite reflexionar sobre las diferencias sociales, la búsqueda de la superación personal, la libertad sobre uno mismo y sobre la educación.  Es una invitación a reír y pasar un buen momento.

Por Carina Polo

Noches de Luna Nueva

Cada miércoles es un encuentro mágico entre el artista y su público donde haciendo uso del aire bohemio que se respira en la OrejaNegra;  Vicky Carambat, Mike Zubi, Maia Contreras, Eliseo Barrionuevo y Deborah Turza, desnudaran el alma presentando su material en un encuentro íntimo cada noche.

Con Nombre Propio cumple tu tercera temporada y bajo la dirección de Maxi Bartfeld, promete hacer de éste ciclo todo un éxito.

Los cinco artistas provienen del mundo de la actuación, los escenarios y la música, entregándose siempre en cuerpo y alma a la voluntad de diversos personajes, en ésta ocasión se presentan como ellos mismos, sin corazas ni velos, haciendo de cada encuentro una paseo, un viaje por el interior de sus corazones, de sus vidas para poder transitar juntos ese viaje a las estrellas.

El miércoles 21 de agosto, fue la presentación donde por única vez estuvieron todos presentes, sin embargo, de aquí en más se irán presentando de a uno, para poder iluminar las noches con cada luna nueva.

Cabe destacar el gran complemento y la fuerza que despliegan sobre el escenario, una intensidad que genera rápida empatía con el público, una alquimia y consistencia como grupo de trabajo donde se los vio gozar del arte del compañero y además de las maravillosas voces y melodías que cada uno de ellos ofrece y que en su diversidad de géneros y estilos se podrán disfrutar cada miércoles. 

Por Carina Polo
Programa:
Miércoles 21 de Agosto – Lanzamiento todos juntos por única vez
Miércoles 28 de Agosto: Vicky Carambat
Miércoles 4 de Septiembre: Mike Zubi
Miércoles 11 de Septiembre: Maia Contreras
Miércoles 18 de Septiembre: Eliseo Barrionuevo
Miércoles 25 de Septiembre: Deborah Turza

Sombras del amor

El gran día ha llegado, la ceremonia terminó y en la fiesta de casamiento todos celebran esta unión – o casi todos- en medio de tanto fetiche, el jardín esconde lo suyo y la verdad se hace presente.

Sombras desde el Jardín de Nicky Silver con la maravillosa dirección del consagrado Agustín Alezzo reflexiona sobre las complejas relaciones humanas y la sutil diferencia entre amar a alguien o necesitarlo.

Como quien bucea en las inmensidades del alma humana Alezzo se adentra a través del texto y sus personajes en ese bello misterio del amor, ése que todo lo puede (y a veces no) pero que a menudo se confunde con la necesidad del otro, quizás como un espejo de nosotros mismos, otras veces como ese hogar donde descansa el espíritu agitado de tanto ruido y soledad; en este afán de separar la harina del trigo la obra experimenta momentos de búsqueda de una verdad que no es revelada y que el espectador irá descifrando lentamente durante toda la obra.

Hay que destacar las interpretaciones de todos; Sebastián Baracco que en personaje de Taylor pasa de un aparente y superficial hombre de negocios para luego convertirse en un ser intenso y oscuro y trágico, Cecilia Chiarandini en el rol de Cinthya como esa novia encantadora con su cuento de hadas y su príncipe azul donde finalmente no todo es lo que parece, Nicolás Dominici encarnando ese amigo que acompañará todo la historio y cada etapa de esta historia, Julian Caisson  quien le agrega un toque de color y simpatía, un poco de humor entre un drama que por momentos deja al público sin aliento, su participación es esa bocanada de aire y Andrea Lambertini interpretando un personaje tan paradójico, tan errático como tierno.  Todos ellos hacen de ésta obra otra de las grandes piezas de Agustín Alezzo.

Sombras desde el Jardín, es una bella obra para disfrutar que invita a reflexionar sobre las relaciones humanas y el amor, donde a veces no todo lo que brilla es oro y depende de cada uno hacer algo valioso de nuestros propios afectos.

Por Carina Polo

Ficha técnico artística 
Dramaturgia: Nicky Silver
Actúan: Sebastian Baracco, Julian Caisson, Cecilia Chiarandini, Nicolás Dominici, Andrea Lambertini
Vestuario: Marta Albertinazzi
Escenografía: Marta Albertinazzi
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Cristina Dramisino, Andrea Muller
Producción general: Martin Garcia, Georgina Rey
Puesta en escena: Agustín Alezzo
Dirección: Agustín Alezzo

AUDITORIO LOSADA 
Av. Corrientes 1551 (CABA)
Teléfonos: 4371-9098
Domingo y Sábado - 20:00 hs

Última Estación en Viaje Poético

En el mes de junio dio comienzo una travesía teatral y en el marco del V Festival Latinoamericano de Poesía el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, anfitrión del festival, dio cita a un espectáculo diferente.  Poeta en Nueva York es una puesta en escena sobre los textos de Lorca inspirados durante su viaje a esa ciudad en 1929.

Al ingresar a la sala González Tuñón una luna sangrante clama silencio y  acapara la atención del público que aguarda algo expectante, por asistir a ver un espectáculo poético teatral - género poco frecuente en la cartelera porteña - sin embargo esa luna hipnotiza.

La escenografía en función del espectáculo está compuesta por diferentes bancos o reposos desde donde Gustavo Pardi, en impecable traje negro se prestará en cuerpo y alma al espíritu de Federico García Lorca. Con la dirección de Mariano Dossena logran hacer del espectáculo mucho más que un típico recital de poesía.  En la oscuridad de la noche, subido a los rascacielos, Pardi hará presente con su interpretación y su arte aquellas sensaciones e impresiones de Lorca, sobre una ciudad que al principio lo deslumbró pero luego lo conmovió e inquietó por su des-humanización como un símbolo de una sociedad global que marginaba aquello que no lucía; como parte de un contraste entre dos mundos bien desiguales que a modo de eclipse, encandilaba con lujos aquello que ocultaba por las noches.

Gustavo Pardi de fuerte presencia escénica se luce realizando una gran interpretación de los textos, dejando al público inmutable, donde si bien los reproduce textualmente consigue del público toda la atención al punto de poder cortar el aire de la sala con una tijera.

Cumplida la promesa del inicio, el espectador y la obra culminan un viaje de sensaciones y experiencias, alejados de la razón se han dejado llevar por la poesía.

Poeta en Nueva York es un gran espectáculo poético teatral donde quienes vayan a buscar a Lorca, encontrarán su espíritu ahí y quienes aún no lo conozcan se irán con ganas de profundizar en él.

Últimas Funciones, no se la pierdan!

Por Carina Polo

POETA EN NUEVA YORK de Federico García Lorca 
con GUSTAVO PARDI / dirección MARIANO DOSSENA 
sábados 20 hs TEATRO CC COOPERACION Av.Corrientes 1543

Vivir en el aire

Flores arrancadas de la nieblalleva consigo toda la sensación del desarraigo y del exilio experimentado en carne propia por Arístides Vargas, ese gran dramaturgo Argentino que incluye en sus obras el destierro de un modo recurrente; casi como buscando una respuesta, una verdad.

Raquel y Aída son dos mujeres que empiezan de nuevo y en ese andén la vida las une, como se unen y se amontonan las almas en el exilio; buscando un poquito de patria aunque sea en alguien que acompañe, para que no duela tanto el destierro.

Maider Lekunberri y Maitane Perez son las protagonistas que interpretan modos diferentes de enfrentar ese vacío, esa soledad de pertenecer a ningún sitio; algunos sin poder soltar el recuerdo y en cambio otros aferrándose con fuerza a él para no caer en el olvido.

Con una escenografía tan austera como funcional -de pocos elementos pero bien logrados - la obra logra enfocar su atención en una historia de amor a su tierra, pero a la vez de enojo con ella. 

Desde el bello título ya se anticipa la poesía de un texto profundo pero con momentos de humor para alivianar el peso de éste viaje. El grupo oriundo de Pamplona La Cuerda Teatro, nos brinda ésta vez con la dirección de Maite Redín un instante para pensar y reflexionar el desarraigo.

 

Por Carina Polo

Utopía que transforma

Tierra del fuego es el fin del mundo; un lugar inhóspito y utópico al mismo tiempo, un sitio tan lejano que ni el odio puede alcanzarlo, donde la comunicación y el perdón son posibles.  Ese sueño se hace realidad cada fin de semana en el Tinglado.

La obra escrita por Mario Diament se vale del conflicto Palestino-Israelí para contar una historia mucho más profunda, una metáfora de la sociedad actual, que nos toca más de cerca de lo que pensamos, o de lo que estamos dispuestos a reconocer.

Tierra del Fuego, reflexiona sobre la guerra, el odio y el perdón pero lo hace de un modo que conmueve tocando las fibras más intimas de nuestra actualidad, repleta de intolerancia y agresiones mutuas.  Todos podemos ver si nos esforzamos alguna injusticia que realizamos o dejamos simplemente que suceda (con igual grado de responsabilidad).  Ésta obra dirigida bajo la impecable mirada de Daniel Marcove nos increpa a tomar cartas, a no dejar la paz en manos de otros, a participar y aportar nuestro grano de arena.
Alejandra Darín y Pepe Monje ponen el alma sobre las tablas y en especial Alejandra tiene unos cambios de tempo que la obligan a estar presente en cuerpo y espíritu sobre el escenario, ella es quien en gran medida hace verdad el relato.  El resto del elenco también contribuye a esa verdad;  Ricardo Merkin, Elena Petraglia, Juan Carlos Ricci y Miguel  Jordán, aguardan durante toda la obra sobre el escenario, ubicándose en sillas a los costados y un efecto de luces, delimita la acción. 

Cabe destacar la música original y diseño de sonido de Sergio Vainikoff que brinda la cuota de emoción necesaria, erizando la piel en cada acto.

Tierra del Fuego, se irá develando durante toda la obra, cual flor que se va deshojando manteniendo en vilo la emoción del público, ésta de esas obras que modifican al espectador.

Por Carina Polo 
SABADOS Y DOMINGOS 20HS 
TEATRO EL TINGLADO – Mario Bravo 948 (CABA)

FICHA TÉCNICA 
Autoría: Mario Diament
Actúan: Alejandra Darín, Miguel Jordán, Ricardo Merkin, Pepe Monje, Elena Petraglia, Juan Carlos Ricci
Vestuario: Daniela Taiana
Escenografía: Tito Egurza
Música original: Sergio Vainikoff
Fotografía: Gianni Mestichelli
Diseño gráfico: Pedro Flores
Asistente de producción: Daniela Laprea, Henry Rosales
Asistencia de dirección: Iardena Stilman
Prensa: Simkin&Franco
Producción ejecutiva: Pablo Silva
Dirección: Daniel Marcove

A Rockearla!!!

Todos tenemos un niño interior que atentos a tantas responsabilidades y obligaciones terminamos por abandonar.Mágico Rock, es ese espectáculo que lo vuelve a traer a la vida; un musical infantil lleno de luz, que se vale de la poesía y las canciones de Luis Alberto Spinetta para hacernos reír, bailar y reflexionar. 
Se vienen las vacaciones de invierno y el Teatro Sha hizo su apuesta, Marisol Otero (que ya presentó disco en ese teatro donde también participó en Código de Silencio) interpreta ésta vez a una seria abogada, que en sus tiempos libres cuida del jardín y las plantas a modo de terapia, sin saber que ahí viven unos seres que ella ya olvidó y éstos cobran vida mientras ella trabaja.  El Hada (Carla Maieli), el Duende (Luciano Rosini) y Beto (Martín Sipicki) llenan de magia y rock su jardín sin que ella lo note, pero eso cambiará.

Mágico Rock, es un musical para toda la familia.  Los niños se divierten con las travesuras de los seres del jardín mientras los adultos disfrutan de las canciones del Flaco versionadas para el infantil y un sinfín de guiños para los más grandes. 

Cabe destacar la bella escenografía de Ana Repetto que impacta a los pequeños ya, desde el ingreso a la sala, aguardando con ansias lo que está por venir; como así también la caracterización (Luciana Reche) y vestuario de los personajes (Gustavo Alderete - La Polilla Vestuario).

Éste musical con libro de Tatiana D’Agate y la dirección general de Valeria Ambrosio es un hallazgo, un infantil innovador que versiona canciones de un prócer del rock nacional para hacernos reflexionar acerca de los sueños, los deseos y la falta de conexión con nuestro niño interior. Un espectáculo para grandes y chicos con un final, a todo ROCK!!

Por Carina Polo

Deslumbrante!!!

Cuando creíamos que estaba todo inventado apareció Flavio Mendoza, el bailarín y coreógrafo es quien una vez más se supera así mismo.  Quienes vieron en el verano del 2012 Water in Art y aún intentaban relajar sus músculos faciales luego del asombro, Stravaganza, Estados del Tiempo los dejará más sorprendidos aún.  Para quienes no lo vieron es indispensable, imprescindible que lo hagan, éste nuevo espectáculo de Flavio Mendoza con la producción además de Diwan-Fucci y Giodano-Pardo es un espectáculo único en la Argentina, un show sin precedentes que combina a danza, acrobacias, humor y música en vivo, todo a la manera de Stravaganza y con las participaciones especiales de Flavio Mendoza, Federico Molinari (Gimnasta Olímpico), Belen Pouchan y Adabel Guerrero, quienes deslumbran con su talento.

Estados del Tiempo, ya se presentó en Córdoba siendo el gran suceso de la temporada de verano y ahora que desembarcó en el Teatro Broadway sobre la Avenida Corrientes –la más emblemática de la capital porteña-  el éxito lo acompaña y todo indica que será otra gran temporada.

El nuevo espectáculo de Stravaganza sorprende desde el comienzo cuando al ingresar a la sala se es recibido por acomodadoras (interpretadas por los humoristas) que hablan con el público y acróbatas y bailarines que mezclados entre los espectadores realizan sus destrezas a modo de bienvenida.  Luego el momento de humor a cargo del grupo cómico LO LUMVRISE (Damián Taborda, Andres F. Rovetto, Pablo D. Fontana y Hernán N. Cigno)  hará estallar de risa al público que agradecerá con risas y aplausos cada intervención en los pasos de cuadro protagonizados por el grupo.

Romina Propato junto a Flavio Mendoza fueron los creadores de la coreografía, esa adrenalina constante que mantiene perplejos a los espectadores porque combinan con una belleza artística y virtuosismo, elementos del malambo –haciendo pie en nuestras raíces- danzas orientales, capoeira, malabarismos, contorsionistas, acrobacias, clown (de la mano de Pedro Bruno) y un sinfín de disciplinas que mantienen la atención del espectador que no puede creer que lo que está viviendo.

La gran producción e inversión en tecnología es asombrosa, piletas que aparecen y desaparecen, escenarios que rotan 180°, una pantalla gigante de fondo que acompaña con elementos audiovisuales y hasta un auto que pasea por la ciudad son algunas de las increíbles producciones que lejos de ser solo de vista, todo cobra funcionalidad es éste espectáculo donde cada detalle tiene una razón de ser.

La música en vivo es un elemento que también se destaca, porque forma parte de todo el espectáculo interviniendo como musas, entre los bailarines, en complicidad con los humoristas y hasta en los cuadros acuáticos.   Cabe destacar la increíble voz de Giannina Giunta que es aplaudida una y otra vez.

Stravaganza, Estados del Tiempo tiene 50 artistas en escena que no se detienen un segundo manteniendo en vilo la atención del espectador que atónito admira las destrezas y la belleza de un  espectáculo único en la Argentina que promete seguir sumando éxitos y elogios.

Por Carina Polo

Teatro que estremece

Como un misterio que nadie se atreve a develar,Tan del mismo modo, propone algo distinto; una obra que experimenta, provoca, estremece y conmueve utilizando el cuerpo femenino y objetos, donde por momentos se mezclan, se confunden y el público algo desconcertado se presta al juego.

En éste unipersonal, Lorena Colmenero es la sorprendente actriz que presta su cuerpo a un sinfín de experiencias que a través de su entrega desmedida consigue hacer verdad para el espectador.

En un escenario casi despojado, cada objeto es funcional al relato, donde con un juego de cubiertos por ejemplo se logra un discurso conmovedor, donde la intervención del cuerpo femenino lo es todo. 
Sin embargo el elemento clave del espectáculo es el silencio estremecedor que acompaña casi toda la obra, permitiendo una compenetración tan profunda con el relato hasta casi hacerlo incómodo por momentos.

Tan del mismo modo, es una obra diferente, experimental, conmovedora y estremecedora al mismo tiempo, no es una obra cómoda, es un relato único y personal al que la protagonista le pone el cuerpo en todos los sentidos y la mirada de Claudio Pereira en la dirección le impone un sello propio.

Por Carina Polo

Manos a la obra! y todos a reír

A la Obra! Es un gran espectáculo para toda la familia, que se reestrena luego de ser nominada para los premios ACE 2012 como mejor infantil.  En manos de la compañía de circo artesanal La Pipetuá y con la dramaturgia y dirección de Osqui Guzman, esta construcción tiene todas las garantías para ser un gran éxito.

La Pipetuá  está formada por Sebastián Amor, Diego Lejtman, Maxi Miranda y Fefo Selles, ellos serán los encargados de iniciar esa construcción, la de la casa, el hogar, pero no será fácil.   Para ello deberán enfrentar desafíos cómicos, accidentes varios y una serie de situaciones desopilantes que harán estallar de la risa a grandes y chicos.

Éstos constructores de la mano de Osqui Guzmán un maestro en éstas artes, hacen uso de elementos clown, circo, malabarismo, y elementos novedosos y poco habituales que ponen sobre el escenario.  Además, la perlita del espectáculo, un segmento con elementos de teatro negro que los dejara a todos boquiabiertas.

El público compuesto por todas las edades se mantiene asombrosamente en sus butacas, los más chicos participan y los adultos no pueden contener sus carcajadas.  A la Obra! Logra conmover a todos, porque en esa aventura de construir algo juntos, todos queremos volver a ser niños y la Pipetuá nos da ese derecho, nos invita a creer y  jugar con la imaginación.  

Los cuatro payasos no tienen idea de cómo construir una casa, Varreto tienen miedo de todo, Vittorio es el más fuerte pero llora de emoción, Wilbur es dormilón y sueña con la música y a Marito Marcote le gusta mandar a todos. Sin embargo juntos emprenderán esta gran aventura.

Amor y Tango

Manzi, la vida en orsai de Betty Gambartes, Diego Vila y Bernardo Carey es un canto a la vida, al amor y al tango, un verdadero homenaje a un personaje que supo ser compositor, cantor, poeta y militante político. Encarnado más que interpretado por Jorge Suarez, acompañado por Julia Calvo como Nelly Omar y Néstor Caniglia, la obra envuelve al público en una atmósfera al ritmo del 2x4.

La primera impresión se da al ver aparecer a Homero en la piel de Jorge Suarez, quien logró una semejanza que en las butacas se murmura en voz baja, una estampa tanguera que conmueve y se hace tangible en la primera nota que canta.  Suarez no sólo consigue un parecido asombroso sino también sorprende con el canto, porque se entrega en cada canción, donde no sólo canta con increíble solvencia y la interpreta, sino se despelleja en cada letra, donde podemos percibir esa gran nobleza como actor a la que nos tiene acostumbrados.

Cuando aparece Julia Calvo interpretando a Nelly Omar el público estalla, la Calvo se vale de su hermosa voz y su intensidad para contar junto a Suarez esa hermosa, pero intensa y prohibida historia de amor que los mantuvo unidos hasta el último de sus días.  Esa historia de amor que los desgarra, hipnotiza al espectador dejando algunos incluso al borde de las lágrimas, quienes recuerdan un amor propio que aun los desvela y los que sueñan con un amor así.

La obra hace base en la poética de Manzi, sus amores, sus temores y sus convicciones políticas que de modo tan ferviente defendía.  Néstor Caniglia interpreta a Cátulo Castillo y Anibal Troilo, donde junto a Suarez reflexionan sobre política y poética en escenas de antología. 

Manzi, es un espectáculo que no descuida lo dramático en favor de lo musical sino todo lo contrario, se vale de la música para contar la vida de éste gran personaje, donde lo que el espectador más agradece es la historia de amor entre Homero Manzi y Nelly Omar.  Se nota el gran equipo de trabajo que formaron entre Betty  Gambartes, Diego Vila y Bernardo Carey. 

Por Carina Polo

Política, Humor y Poesía

“Mientras cuido de Carmela” es un nuevo espectáculo de El Bachín Teatro, un grupo de teatro independiente, comprometido con la riqueza estética y la política, que en ésta ocasión se da cita en el Centro Cultural de la cooperación para compartir un poético monólogo de humor político.  Éste unipersonal con texto e interpretación de Manuel Santos Iñurrieta y dirección propia y colectiva del grupo, es una pieza inefable de la cartelera porteña.
Un escenario casi despojado pero con elementos certeros sorprende a los espectadores que ingresan a la sala, un lugar casi íntimo que favorece la atmósfera que se va desarrollando.  Una mesa a modo de pupitre, una máquina de escribir, una campanilla de servicio y un carrito viejo donde dormirá Carmela, componen junto a una pantalla de fondo negro, el elemento clave donde se llevará a cabo esta preciosa muestra de talento y militancia poética.

La obra cuenta los avatares de un comediante que intenta terminar de escribir una escena, mientras cuida de Carmela una pequeña de la que se valdrá como puente para volver al pasado. 

Desde un comienzo, el espectador queda impactado con el vestuario y los modos de este personaje pintoresco, ya desde el vestuario remite a Chaplin con elementos de clown.  Sin embargo todo empieza cuando se hacen presentes las palabras, tanto escritas como habladas, el protagonista logra con su locuacidad pero además con su histrionismo escénico y retórico, ir sumando al público a su monólogo político pero que se vale de la poesía y la emoción como vehículo para hacer llegar sus ideas. Manuel Santos Iñurrieta es un fuera de serie que durante su espectáculo hace presentes a Chaplin es sus modos y su ternura, la locuacidad y ácido humor político de Tato Bores y los modos y empatía que generaba el Negro Olmedo. 

Mientras Cuido de Carmela, es un espectáculo que reflexiona sobre el pasado, el presente, la humanidad, los valores devaluados, la hipocresía, la solidaridad pero por sobre todo, la necesidad de hacerse cargo; y lo hace desde el lugar del monólogo de humor político haciendo base en la emoción.  Sin embargo esto no sería posible sin un trabajo colectivo de El Bachín Teatro pero por sobre todo sin el inconmensurable talento y entrega en cuerpo y alma de su protagonista. Aplausos!

Por Carina Polo

Funciones: Jueves 21:30hs. Sala Raúl González Tuñón. Centro Cultural de la Cooperación Localidades: $ 70.-

Un viernes distinto

Hombres en celo cuenta la historia de cuatro amigos que los sábados van a bailar a Sonajero (un antro gay friendly) pero previamente todos los viernes se reúnen en la casa de uno de ellos para hablar lo ocurrido en la salida anterior, de la vida, las experiencias y del amor.

En esta obra, Martín Marcou, no sólo es responsable de la dramaturgia y la dirección, sino además le pone el cuerpo a uno de los personajes, el anfitrión de la reunión de los viernes. 
El motor de las reuniones se basa en la amistad, entre personajes bien diversos.  Un amigo infantil pero a la vez tierno, un tanto ingenuo del que por momentos todos se burlan, también está su mejor amigo, también gay, con una historia de amor que lo tiene entre la fantasía, los anhelos y la confrontación con la realidad a la que lo exponen sus amigos.  Por otra parte un amigo al parecer menos complejo arribará esa noche con una sorpresa y su amiga, cínica y escéptica que será la revelación de la noche con un secreto guardado por años que pondrá en jaque esa amistad.

La gran interpretación de todos los personajes por parte del elenco completo es la clave, para llevar adelante esta obra tierna, divertida e irónica.

A priori uno cree que es un espectáculo que habla  sobre la homosexualidad, sin embargo, es mucho más que eso, es una obra que se vale de ese universo para contar historias que nos identifican a todos; y reflexionar sobre el amor, la honestidad, los sueños pero por sobre todo, el valor de la amistad. 

Por Carina Polo

OBRA DECLARADA DE INTERÉS CULTURAL POR LA SECRETARIA DE CULTURA DE LA NACIÓN (2013)

VIERNES - 23hs / Teatro SHA - Sarmiento 2255

Relaciones Peligrosas

El Crítico de Juan Mayorga, es una pieza clave del teatro, que trata sobre esa compleja e intrínseca relación que existe entre quienes trabajan en él y los críticos.  Una obra de arte esculpida minuciosamente por Guillermo Heras su director, quien logra obtener de Horacio Peña y Pompeyo Audivert el brillo esperado, el que se vislumbra luego de un inmenso trabajo de pulido, ese que requiere cualquier obra de arte. 
Volodia (Horacio Peña) es crítico de oficio y solitario de vocación, quien luego de ver cada obra escribe su crítica inexorablemente antes de medianoche, nada lo desvía de su intención de ser lo más imparcial posible. Pero Scarpa (Pompeyo Audivert) un dramaturgo cuyo éxito aguarda ser ratificado en la pluma de Volodia, abandona su propio festejo para presenciar ese momento tan misterioso y definitivo, ese que tantas angustias y tormentos le ha generado, e intempestivamente decide ir visitarlo.

Ese encuentro entre el crítico y el dramaturgo desata la trama; un ovillo tejido de celos y envidias pero también de admiración y respeto mutuo, la paradójica relación de odios y amores que se cuenta a partir de la batalla de talentos que desatan Peña y Audivert, tanto, que cuesta permanecer sentado ante semejante tensión, estos actores dan cátedra.

Hay que destacar el gran trabajo de Gabriel Caputo en escenografía, vestuario e iluminación, en especial una escenografía funcional al espectáculo; con módulos ocultos que se van develando en conjunto con la obra, como descubriendo el misterio.

El Crítico (Si supiera cantar, me salvaría) es una obra que habla sobre el teatro y su verdad, sobre su ambición, sobre lo que puede ser y lo que termina siendo, sobre como el libro lo escribe su autor pero se termina de completar en cada espectador.

Por Carina Polo

Ficha Tecnica: 
Autoría: Juan Mayorga 
Actúan: Pompeyo Audivert, Horacio Peña 
Escenografía: Gabriel Caputo 
Iluminación: Gabriel Caputo 
Diseño sonoro: Marcelo Manente 
Asistencia artística: Lucila Piffer 
Dirección: Guillermo Heras

TEATRO SAN MARTIN 
Av. Corrientes 1530 (CABA)

Fiesta y Pasión

El Teatro Astral es el anfitrión, quien recibe a los invitados y los ubica para disfrutar de esta Fiesta Flamenca, luego del éxito de “Viva la Copla”, el Grupo Gallo apuesta al musical español.

“90 minutos electrizantes que te dejarán sin aire” anticipa el volante, pero mucho más que eso lo que brinda, con 25 artistas en vivo sobre el escenario, el aire que se respira es pura energía y pasión, una evocación de fuerza y talento, con momentos de tensión y otros de humor, que logran contagiar al espectador y hacerlo partícipe de ésta celebración de los sentidos.

Toda fiesta que se precie como tal, debe tener una buena banda y aquí cuenta con la dirección musical de Rodrigo González quien también lleva la primera guitarra y junto al resto de los músicos y los Cantaores Montse Ruano y Eugenio Romero consigue erizar al público.

Sin embargo lo que aporta la fuerza, alegría y pasión a cada festejo es el baile y en éste sentido, el Ballet Flamenco Palma y Tacón es muy sólido y eficaz al momento de sumar su aporte.  Con Jorgelina Amendolara como primera bailarina acompañada por el bailador solista Iván Carrillo Jiménez y el resto del Ballet invitan con su gran entrega y entusiasmo a sumarse a la fiesta y el público lo agradece, porque percibe en cada gesto, en cada acto, la inmensa felicidad de los artistas al realizarlo.  Esa verdad, esa pasión, que Jorge Mazzini a cargo de la Dirección General supo conseguir, reflejando un gran trabajo de equipo donde todos disfrutan de la fiesta.

La Fiesta Flamenca, se presentará por 12 únicas funciones en el Teatro Astral, quedan todos invitados a esta gran celebración de los sentidos.

Por Carina Polo 

Ficha técnica
PRIMERA BAILARINA: JORGELINA AMENDOLARA 
BAILAOR SOLISTA: IVAN CARRILLO JIMENEZ 
BAILAORES: CAMILA DONATO - MARIELA FERNANDEZ - MARISOL CALVO - LAURA GUASTINI - MONICA LUQUE - SOL ROLDAN - JESSICA ROSILLO - YAMIL RABAJ - JUAN MARTIN AYALA 
CANTAORES: MONTSE RUANO - EUGENIO ROMERO 
MUSICOS: DIEGO BERMUDEZ (SEGUNDA GUITARRA) - LISANDRO PEJCKOVICH (VIOLIN) - IGNACIO JAUREGUI (CAJON) - RODRIGO GONZALEZ (PRIMERA GUITARRA, MUSICA ORIGINAL Y DIRECCION MUSICAL) 
Libro: GABRIEL ESPOSITO 
Música original: RODRIGO GONZALEZ 
Dirección General: JORGE MAZZINI 
Dirección Musical: RODRIGO GONZALEZ 
Diseño coreográfico: JORGELINA AMENDOLARA 
Diseño de vestuario: PABLO BONET 
Diseño de escenografía: PATRICIA MARCHITTO 
Diseño de iluminación: JAVIER SANCHEZ GASS 
Supervisión de sonido: RODRIGO LAVEQUIA 
Supervisión de luces: CARLOS RANDICH 
Comunicación Visual: JOSE CAVELLERI 
Producción Grafica: G. OFFSET 
Producción Audiovisual: VCORTA PRODUCCIONES 
Productor ejecutivo: GABRIEL ESPOSITO 
Director de Producción: RICARDO GALLO 
Prensa: DANIEL FALCONE 
Productor General: ESPECTACULOS GALLO

TEATRO ASTRAL - AV. CORRIENTES 1639 – CABA - 5236-3000 
Funciones:  19, 25, 26 de Junio y 2, 8, 9, 15, 22, 23, 30 de Julio 
Localidades: $ 160

Música y Poesía

Los acordes de la guitarra anticipan su llegada, a media luz la voz de Geraldine Farhat se convierte en dulce melodía que inunda toda la sala. La tragedia, el amor, la locura y el desamparo son algunas de las emociones de las que se vale la obra para contar las historias a través de canciones populares.  

En una demostración de increíble talento, tanto de la protagonista como también de Nico Rodriguez en la guitarra y la puesta en escena y dirección general de Corina Harry, logran hacer del espectáculo un refugio de emociones.

Cartas en el aire, en un gran trabajo poético que se nutre del acompañamiento de la guitarra como vehículo para atravesar las diferentes situaciones tan humanas como cotidianas pero de una forma tan lírica como elocuente.

Cabe destacar el inconmensurable trabajo en escena de Geraldine Farhat, quien se desdobla en infinidad de personajes con una habilidad casi esquizofrénica y consigue conmover al público, tanto con sus brillantes interpretaciones, como también con la virtud de su voz, plena en matices que le aportan el ingrediente justo, erizando la piel del espectador en cada escena. Además de cantar en varios idiomas, cada personaje deviene en un cambio de vestuario (Nora Pavón) que implica una dificultad que no se percibe como tal, cuestión que más la engrandece.

La guitarra de Nico Rodriguez armoniza el espectáculo, aportando luz y sombras a cada interpretación, cada acorde parece querer decir algo, que en conjunto cierra la obra.  Vale aclarar que algunas de las canciones son de autoría de Geraldine y Nico.

 Corina Harry (directora) y Geraldine Farhat (actriz) se reencuentran luego de la gira por el exterior de “El caballero de la Armadura Oxidada”  (de Robert Fisher), para demostrar que la química sigue intacta.

Por Carina Polo

Tan simple y tan bello

El Brilla Cordelia se pone la nariz roja para recibir a “Tan simple como soñarlo despacio”, el reestreno del unipersonal de Romina Mónaco dirigido por Julia Muzio, en el marco del Ciclo de Unipersonales  que se presentan los viernes a las 23hs.

Se aproxima la hora de ingresar y ya se percibe un ambiente particular, desde la comodidad de un sillón reciclado se logra visualizar un ambiente algo vintage y ecléctico a la vez; muebles de distintos materiales, televisores viejos a modo de adorno y hasta paraguas con lunares en el techo.  Todo esto remite a la película Amelí que si bien aún parece un dato aislado, la obra lo llenará de sentido. 

Se ingresa a la sala y las luces se apagan, cuando se encienden comienza la historia, un relato lleno de fantasía, un universo de imaginación que compone con gran histrionismo Romina Mónaco pero que el público termina por completar.  Éste unipersonal de Clown cuenta como una mujer cansada de su situación decide irse y empezar de cero, sola, pero con la esperanza intacta de encontrar a alguien, esa persona que complete su mundo de fantasías.

La obra, como en esa gran historia del cine francés, está llena de detalles de miradas, de fantasía e imaginación.  Es un espectáculo divertido pero repleto de ternura, esa virtud del clown, la posibilidad de representar la adversidad desde esa mirada tan particular.

Al finalizar el público aplaude y agradece ese instante, esa invitación a seguir creyendo en un mundo mejor, mérito de ésta bella puesta de clown.

Por Carina Polo

Eureka!

Sol&Tarios es la perlita de Palermo; bella, divertida, romántica y profunda, es una obra para contemplar y pasarla bien. De gran empatía con el público, el espectador se ríe desde que llega hasta el final.

La obra pone sobre la mesa, los interrogantes más frecuentes: ¿El amor se busca? ¿Te encuentra? ¿O llega cuando menos lo esperás? Y a través de estas preguntas sin respuesta y la historia de los personajes encarnados en casos paradigmáticos de la soltería, expone de un modo ameno y a carcajadas las relaciones humanas, los encuentros y desencuentros, el amor, el desamor y la necesidad humana pero también social de una relación. 

Ella está sola y espera su príncipe azul, el hombre de su vida, el que está escrito en las estrellas.  Él también está solo pero aferrado a un pasado que no puede dejar ir.  Juntos como amigos irán atravesando momentos en angustia, euforia e ilusión, hasta encontrarse con una gran revelación

Con idea, libro y letras originales de Inés Juárez (Sol) y Diego Sánchez (Tarios), ellos son no sólo los protagonistas y los grandes hacedores de la obra sino también los anfitriones de la ceremonia, quienes dejan el alma sobre el escenario y con grandes interpretaciones le agregan a la obra esa mezcla en equilibrio perfecto, de inocencia, ternura y cierto sarcasmo, despertando en el público una gran identificación.

Es un musical con hermosas canciones con música original de Jorge Soldera (quien compuso las canciones de La Parka y Alicia en Frikiland) y la dirección de Ezequiel Elizalde.  También acompañan en escena Sofía Schverdfinger y Juan Ignacio Pólvora.

Palermo, ese vasto océano de espectáculos teatrales ha encontrado en La Mueca (Cabrera 4255) su perla.

 

Por Carina Polo

El Maipo se viene con todo

Quien apuesta a ganador, tiende a ganar y esta no es la excepción. Es como jugar con Messi, Maradona y Pelé, todos para el mismo equipo.  Lo que se vislumbra es lo esperable, lo inevitable; un éxito que se manifiesta con risas, aplausos y gente de pie que celebra esta yunta y la agradece.

Esta enorme ofensiva está compuesta por tres grandes de la actuación que el público y la crítica tanto admira y respeta, y que a través de los años han logrado ser pilares fundamentales del espectáculo nacional. Ricardo Darín, el pródigo del cine Argentino con Oscar incluido en su haber, alejado un tiempo de las tablas luego de su gran éxito “ART” (cuya última presentación fue en 2010), vuelve para interpretar junto a Valeria Bertuccelli, tan recordada y querida por varios personajes en la pantalla grande, aún hoy en el imaginario colectivo como la Tana Ferro, también vuelve a los escenarios.  Pero como si esto fuera poco la obra ésta vez la dirige Norma Aleandro, ganadora de un Oscar y protagonista de las mejores películas del cine Argentino sin dejar de destacar su gran labor sobre las tablas, con trabajos como “Master Class” un hito del Teatro Argentino, ahora como directora, ¿qué más se puede pedir?

Escenas de la vida conyugal de Ingmar Bergman, en la versión de Fernando Masilorens y Federico González del Pino, cuenta la historia de una pareja: Juan y Mariana, que presos de rutina que termina por divorciarlos llevan adelante ese divorcio, esa etapa tan particular entre el amor y el odio.  Y el poder de la obra consiste en eso, la gran identificación en el público, dado que como anticipa el nombre, son escenas de la vida por las todos hemos pasado alguna vez o hemos vivido de cerca y ese es el secreto.  Contar una historia común a todos, magistralmente interpretada por Ricardo y Valeria, actores a los que se les nota el oficio, la gran experiencia pero por sobre todo, la gran química que se da entre ellos que ya han interpretado en otras ocasiones a una pareja.  El amor con que hacen la obra y lo que se divierten, se percibe en el aire y el público lo celebra. 

Cabe destacar que el haber interpretado ésta misma obra por parte de Norma Aleandro en los años noventa (junto a Alfredo Alcón) le da otra mirada, una perspectiva mucho más profunda.

La obra además cuenta con la escenografía de Juan Lepes (escenografía), el vesturario de Renata Schussheim, la iluminación de la mano de Omar Possemato y la producción ejecutiva de José Luis Mazza.

Escenas de la vida conyugal es una obra fundamental, un golazo del Teatro Maipo, al cual asistir para deleitarse con este trío maravilloso pero también para reír, divertirse y reflexionar sobre temas tan humanos y cotidianos como el amor, la pareja, la falta de pasión, la rutina y como continuar después de un divorcio, temas sobre los que cualquier espectador se sentirá identificado.

 Por Carina Polo

Un Portón Revelador

Sentir Amares es una obra profunda y reflexiva, por momentos algo oscura e incómoda que obliga al publico a enfrentarse a sus miedos, sus verdades y porque no, sus miserias.

A partir de una reflexión: “¿Por qué será que se me arruga el pulgar izquierdo más que el derecho? ¿Me estaré por morir?”, la historia nos introduce a un mundo de preguntas, que no siempre tienen respuesta.  Un deber ser, más que un querer ser. El miedo a la soledad, a la muerte pero por sobre todo, el miedo a la vida.  A través de un personaje que parece negarlo todo pero con el transcurrir de la obra la tensión aumenta y la verdad revelada, tendrá un aparente alivio hasta que el público atraviese El Porton, donde comenzaran las verdaderas preguntas. 
El espectáculo cuenta con la extraordinaria interpretación de Carolina Gómez la única actriz, quien irá conduciendo al público a través de distintas emociones, desde un relato de lo cotidiano.  Por momentos algo que se percibe como banal o insignificante, tomará todo el sentido con el devenir de la obra.  Y de eso se trata el gran secreto, la magia que se produce en el aire. Por momentos se respira tensión y una cierta angustia.  ¿Pero esa angustia, es del personaje o del espectador?, esa es una respuesta que aguardará en cada persona que haya asistido a verla

La obra transcurre en espacios bien delimitados, no solo por la escenografía sino también por muy acertado diseño de luces de Gonzalo Córdova, quien suma con su trabajo un clima especial y suma intencionalidad, al maravilloso texto de Carolina (Gómez) que se hace posible a partir de la excelente y amorosa dirección de Diego Jaraz.

Sentir Amares es una experiencia casi mística, es un viaje al propio ser, es de esas obras que transforman, que conmueven y dejan material para seguir reflexionando. ¿Te la vas a perder? 

Por Carina Polo

Ficha técnica
Actriz: Carolina Gómez 
Idea, Libro y Canciones: Carolina Gómez 
Adaptación de Libro: Carolina Gómez y Diego Jaraz 
Música Original y Arreglos: Diego Rodríguez 
Diseño de Luces: Gonzalo Córdova 
Asistente de Dirección: Maximiliano Perugino 
Diseño de Vestuario: Natalia Martínez 
Diseño de Escenografía: Lucila Rojo 
Maquillaje: Verónica Di Michele 
Peinado y Pelucas: Miriam Manelli 
Fotografía: Fuentes 2 Fernández 
Realización de Video: Carolina Jaureguiberry 
Diseño Gráfico: Florencia Bembihy 
Prensa y comunicación: Circular Prensa 
Producción Ejecutiva: Verónica Larrea 
Dirección General: Diego Jaraz

Lunes  22hs. 
“El Portón de Sanchez” 
Sanchez de Bustamante 1034 
ENTRADAS: $80 
DURACION: 60 MINUTOS

Elegir entre el miedo y la libertad

Tick tick boom es una obra que trata sobre esa cuenta inevitable y ensordecedora del correr de los años; de los sueños que tenemos y los que estamos dispuestos a cumplir;  del compromiso con el propio deseo o la elección de conformidad y confort en pos de la mirada ajena.

Jon (Paul Jeannot), es un compositor que está trabajando en la realización de su obra “Supervia”, un musical con el que anhela llegar a Broadway (la meca del teatro), al tiempo que está a punto de cumplir 30 años y eso da cuenta, mal que le pese, se ha convertido en un adulto.

Michael (Andrés Espinel) su mejor amigo, un actor devenido en empresario de marketing, se ha comprado un auto último modelo y  se mudará a un nuevo y lujoso departamento.  Mientras que Susan (Natalia Cesari) su novia, es una bailarina clásica que desea mudarse fuera de la ciudad y formar una familia. Cada uno va construyendo sus sueños, obteniendo sus logros pero Jon ¿qué obtuvo de la vida?, ¿cuál es su mérito, seguir intentando?

¿Hasta cuándo debemos perseguir nuestros sueños o cuándo debemos claudicarlos?  Es una pregunta que seguramente todos nos hemos hecho alguna vez, en el festejo de un nuevo aniversario de nuestra vida, en ese momento que nos devela la diferencia entre como creíamos que íbamos a estar en esa edad y como estamos.  Ya lo dijo J. P. Sartre, El infierno son los otros y como de algún modo en sus vida nos reflejamos; con nuestros miedos, nuestros deseos y nuestras propias frustraciones.  Pero ¿qué elegimos, el miedo o la libertad? eso es lo que plantea este fabuloso musical, un espectáculo con banda en vivo que consigue gran identificación en el público que celebra con risas y aplausos durante toda la obra, por la mera revelación de saber que uno no está solo en esa batalla de pelear por los sueños.

La Ciudad Cultural Konex, es el sitio ideal para esta obra, por representar un lugar joven y moderno pera la vez diferente e innovador.  El público ingresa a la sala y una modesta escenografía de Fabián Mancina los recibe, con pocos elementos pero acertados, que profundizan y reafirman el concepto de la obra; como esos módulos al estilo Tetris que representan ese videojuego donde las piezas caen y encastran, ese vértigo del juego y poder ser capaces de acomodar las piezas lo mejor posible con la ansiedad que representa la percepción del angustiante paso del tiempo.

Tick Tick ¡Boom! De Jonathan Larson, es un increíble e imperdible musical dirigido por Nicolás Roberto y magistralmente interpretado por sus tres protagonistas, en especial por Pault Jeannot que logra un magnetismo con el espectador que no le puede quitar los ojos de encima.  Las canciones son pegadizas y se puede sentir los pies en el piso siguiendo el compás.  La obra del creador de RENT, es un musical que va a dar que hablar, pero sobre todo, para reírse y reflexionar.

C.C.Konex, Sarmiento 3131 (CABA)
Viernes 21hs

 Por Carina Polo

El amor y sus desencuentros

Cita a Ciegas es una historia de amor y desencuentros, una historia sobre la arbitrariedad del destino, donde a partir de un encuentro supuestamente casual, entre un escritor ciego y varios personajes que se irán sentando de a uno, reflexionarán sobre el amor, el desamor, la pasión y sus desmesuras.

Un banco de la plaza San Martín es el sitio donde Gerardo Longo, logrará una hermosa y tierna interpretación del escritor ciego que con sus preguntas irá develando y desnudando el corazón de los personajes, hasta quedarse expuesto el mismo sin proponérselo.

Este espectáculo, que desde un comienzo da cuenta del amor con el que fue realizado, se nutre del  IITeatrino, una modesta sala de teatro ubicada en el interior de la Escuela de Arte de Cecilia Maresca, una sala ideal para ésta obra por la intimidad que se genera y la cercanía entre el público y la obra, la misma cercanía que se da entre la historia y el espectador.

Poco a poco las historias se mezclan y entrecruzan, y el amor no correspondido conduce de modo inevitable a la tragedia.  Una historia muy humana, de infinitos detalles que generan una identificación en el público. Una obra que reflexiona sobre el amor y el destino, dejando un hermoso mensaje de fe y esperanza.

Ficha técnica
AUTOR: Mario Diament 
DIRECCIÓN Y PUESTA EN ESCENA: Gastón Rodriguez 
ELENCO: 
Gerardo Longo - Ciego 
Walter Giménez - Hombre 
Andrea Molina - Muchacha 
Lola Luna - Psicóloga 
Sonia Leyes - Mujer 
EQUIPO DE PRODUCCIÓN: 
Diseño de iluminación: Gastón Rodriguez 
Diseño gráfico: Marisa Rulli 
Asistente de dirección: Carolina Pairola 

Por Carina Polo

Postales para el corazón

Hay ciertos momentos, ciertos hitos en la vida que constituyen postales. Instantes finitos que conservamos en la memoria y en el corazón a modo de tesoro. 

De construir esa clase de momentos Baglietto y Vitale saben y mucho.

Juan Carlos Baglietto es un músico que además de tener una voz increíble y la capacidad de generar innumerables matices, le pone el cuerpo y el alma a cada canción.  Es de aquellos cantantes que vibran y hacen vibrar.  Idéntica cualidad que comparte con Lito Vitale, un gran compositor y pródigo pianista.  Juntos lograron conmover a un público que escuchó atento y ávido de emociones.

El jueves 16 de mayo se presentaron en la sala Siranush (Armenia 1353) para despedir sus últimos trabajos:   “Más de lo mismo” y “Clásicos y acústicos”, y en éste único show adelantar temas del nuevo CD que editarán este 2013.

El disco en el que están trabajando y se editará en agosto de éste año por el sello independiente Ciclo 3, llevará el nombre de “Postales del nuevo mundo” y va a estar dedicado a las canciones latinoamericanas, de México hacia el Sur.

Éste nuevo trabajo completará la trilogía, dado que en el año 1992 habían editado “Postales de éste lado del mundo” y en el año 1999 “Postales del alma” que recibió el Premio Grammy Latino.

En el escenario los acompañaron: Julián Baglietto en la Batería, Guido Martínez en Bajo, Mariano Delgado en Guitarra, Irene Cadario en Violín, Paula Pomeraniec en Cello, Emiliano Álvarez en Clarinete y Luciano Vitale en Flauta.

El show tuvo un gran recorrido con canciones del disco nuevo, pero también las canciones de siempre, clásicos como Piedra y Camino, oTratando de Crecer, con la que cerraron la noche a los aplausos que se hicieron infinitos e interminables de un público agradecido de tanta magia.

 Por Carina Polo

Nada es lo que parece

Como en cualquier neuro-siquiátrico, los internados se convierten en depósitos de personas que por diversas razones, han perdido el juicio.  A menudo después de atravesar momentos traumáticos son abandonados en estos institutos, “porque las personas de afuera necesitan de los enfermos para sentirse sanos”.  Pero ¿qué ocurre cuando esa delgada línea de divide sanos de enfermos queda desdibujada?

Código de Silencio es un espectáculo intenso y estremecedor donde ningún detalle es arbitrario o librado al azar.

Desde un comienzo la escenografía de Silvia Bragan impacta, evidenciando las condiciones precarias y desoladoras de estos lugares, que deberían contener de un modo más humano, pero no lo hacen.

El diseño de vestuario de Gustavo Alderete es admirable; cada cinta de cuero aporta su siniestro ingrediente y cada atuendo de los pacientes tiene algo que decir, donde las luces de Ariel Ponce también cobran su protagonismo.

El elenco es destacable en su totalidad, de un gran nivel tanto vocal como interpretativo, que dejará al público perplejo.

Cada canción, cada momento de la obra; incomoda, angustia y conmueve, producto de un gran trabajo de internalización de las historias que permite que el espectador reciba esa verdad.

Nada es casualidad y este espectáculo se da en el marco posterior a los incidentes surgidos en el borda, lo cual no solo le brinda carácter de actualidad, sino que además nos ayuda a pensar acerca de la sanidad mental y el lugar que le damos en nuestra sociedad.

En el silencio, el código es rotundo: mantenerse callado. Pero es imposible. Éste gran musical de Marisol Otero y Martín Repetto, ira pasando de boca en boca, porque posee una verdad que ansía por ser escuchada. 
Teatro Sha - Sarmiento 2255 - Martes 20:30hs 
Por Carina Polo
Ficha Técnica 
ELENCO

Magali Sanchez Alleno - Eliseo Barrionuevo -  Martin Repetto - Walter Canella - Leandro Bassano - Andrea Lovera - Romina Casella -  Mariela Passeri - Stella Maris Faggiano - Felipe Forastiere -  Agustin Olcese

Idea: Marisol Otero, Martin Repetto / Música Original: Christian Laszlo / Coach Vocal: Pilar Noseda / Coreografía: Soledad Pertino - Fer Provenzano / Escenografía: Silvia Bragan / Vestuario: Gustavo Alderete / Maquillaje y Caracterización: Valeria Failde / Diseño de Sonido: Mariel Ostrower / Diseño de Luces: Ariel Ponce / Stage Manager: Florencia Ravera / Fotografía y diseño grafico: Estudio Fuentes2Fernandez / Asistentes de Dirección: Juan Skretkowicz y Daniela Campana / Asistente de producción: Caro Perrota - Flor Apduch / Libro: Martin Repetto / Producción Ejecutiva: Maximiliano Bartfeld / Dirección: Mariano Caligaris /Producción General: Martín Repetto

Alquimia pasional

La extraviada es un espectáculo que combina la belleza sublime de la ópera junto con una comedia casi grotesca, que si bien al principio resulta algo extraño, a los pocos minutos,  queda uno cautivo de ésta alquimia que se logra con gran éxito.

La Sala Siranush (Armenia 1353, CABA) es el sitio elegido para hacer el hechizo y la luz de las velas que reciben al espectador cada domingo a las 19:30hs, es el inicio de todo.

Al ingresar ya se percibe un escenario distinto, casi fragmentado donde mientras transcurre la ópera La Traviata de Giuseppe Verdi y se oyen las bellas arias de los ensayos, detrás de bambalinas dos vestuaristas disputaran su propia pelea.  Un conflicto de pasiones, celos, competencias y envidias donde no faltarán momentos  de comedia y melodrama.  El trío con Alicia Muxo, Carlos Moreno y Vivian el Jabe consigue carcajadas interminables y momentos de profundo silencio en el público, que expectante se debate entre la risa y el drama.  Los asistentes interpretados por Ariel Gangemi y Alejandra Ríos contribuyen a mantener el clima de humor.

 Un piano exquisito acompaña y armoniza casi todo el espectáculo de la mano de Santiago Rosso y junto con las destacables voces de los cantantes líricos Natalia Raselli y Santiago Sirur, le aportan el toque de belleza estética al espectáculo

 La extraviada, es una pieza teatral  innovadora, que suma dos propuestas en una.  Escrita y dirigida  por Alejandro Viola – Líder de Los Amados- Es una obra diferente y encantadora que sin dudas lo atrapara.

Por Carina Polo

Ficha Técnica
Dramaturgia y dirección: Alejandro Viola. Elenco: Carlos Moreno, Alicia Muxo, Vivian el Jaber, Ariel Gangemi, Alejandra Ríos. Cantantes líricos: Natalia Raselli, Santiago Sirur – Pianista: Santiago Rosso

RING!!! Todos a clase!

La escuela del mundo al revés es un lugar muy especial, donde hay una maestra que a fuerza de repetición obliga a los alumnos a estudiar de memoria para no pensar, alumnos que escuchan con atención y un portero; Don Eduardo que pondrá todo en duda y con su sabiduría menos formal nos invitara a la reflexión. 
 
Al enterarme que era un musical basado en textos Eduardo Galeano, me generó una gran expectativa, dado que los textos del escritor uruguayo se caracterizan por tener un gran compromiso social y atravesar todos los temas y no se me ocurría de qué forma se podía abordarlos en un musical. Pero me lleve una muy grata sorpresa. 
 
La puesta en escena y coreografía de Pedro Frías, junto con la música de Hernán Matorra hacen que el espectáculo resulte dinámico y divertido. También es para destacar la gran interpretación de Ivana Woscoboinik en el rol de esa maestra tan histriónica y perturbadora, como así también la increíble voz de Maia contreras. 

La obra en su conjunto es una apuesta diferente que con la dirección de Silvina Docampo brinda un gran momento de risas pero a la vez, logra que el espectador se vaya con tarea para el hogar.
 

La Escuela del mundo al revés es muy musical muy bien logrado; profundo, divertido y conmovedor.  Un espectáculo distinto pero al alcance de todos. Imperdible!!

Por Carina Polo

La Vie Parisienne

Ópera para todos en el Teatro Avenida
La ópera es algo que uno no debería perderse de disfrutar en la vida, no solo quienes se nutren a menudo de la belleza y de su porte sino también aquellos  que nunca asistieron a verla.  La Vie Parisienneestrenada en el Teatro Palais Royal de París en el año 1866, es un fiel reflejo de lo imponente que puede ser un espectáculo de semejante magnitud.
El teatro Avenida con sus palcos y sus butacas tapizados de rojo impecable y toda su elegancia, resulta ser un lugar ideal para esta Ópera Bouffe del compositor Jacques Offenbach, que combina elementos de sátira y comedia donde se realiza una parodia de la sociedad burguesa parisina de aquel entonces.  Se siente la energía de los 60 artistas que aparecen en escena.  El vestuario y la escenografía nos invitan a viajar por París, con sus personajes pintorescos y sus bailes de Can-can.
Es una ópera dividida en cuatro actos (originalmente divida en cinco), que si bien dura  casi tres horas, son horas en las que uno se divierte y no para de reírse con los gags permanentes y en el final de cada acto un detalle, una sorpresa que llena de risas y frescura a todo el público.
Además cuenta con sobretitulado y con los diálogos en Español, detalle que facilitará seguirla para aquellos que van por primera vez.
Algo para destacar son las espectaculares voces y la presencia imponente de los 40 músicos dirigidos por Ramiro Soto Monllor que llenan la sala de magia y vigor.
 Esta es la tercera temporada la Compañía Lírica “G.Verdi” dirigida por la Soprano Adriana Segal, comenzaron presentándose  el 6, 13 y 14 de abril con ésta ópera y luego continuarán en Junio con “Oberto”, de Giuseppe Verdi (en su Estreno en Argentina) y por último en Septiembre y octubre con “La Vida Breve”, de Manuel de Falla, que regresa a la Argentina luego de 20 años. ¿Te lo vas a perder?

Por Carina Polo

Dirección general, idea, producción y regie: ADRIANA SEGAL
Dirección artística: LIZZIE WAISSE
Dirección de estudios: ESTELA OJEDA
Dirección de orquesta y coro: RAMIRO SOTO MONLLOR
Dirección escenotécnica: LUIS PEREIRO
Dirección escenografía: GERARDO PIETRAPERTOSA
Coreografía y regie: GABRIELA CASTRO BARROS

CAMPI, el unipersonal

VELMA CAFÉ, VIERNES 5, 12 Y 19 DE ABRIL / 21 HS 
Cinco monólogos de barrio para reír

El Velma Café siempre es un lindo lugar que invita a pasar buenos momentos. Cálido desde la ambientación hasta la atención de toda su gente, que te hacen sentir la bienvenida. 
Se abre la sala y el público se ubica en las mesas. Las paredes de ladrillo a la vista y los retratos de grandes artistas que adornan la sala, invitan a disfrutar el espectáculo.

Se apagan las luces y se abre el telón. Apaguen sus celulares, comienza el show!

Campi se luce en ésta tercera temporada del unipersonal, iluminado con la dirección artística de Antonio Gasalla, logra volcar en sus personajes la comicidad justa, haciendo uso de gran experiencia como monologuista consigue las risas a carcajadas durante todo el espectáculo.

Inspirado en Parque Patricios, el barrio que lo vio nacer, los personajes ilustran cada uno desde un estereotipo, un rincón de ese lugar donde todos nos podemos sentir un poco identificados.  De ahí, las risas y algo de actualidad que no puede faltar.

El espectáculo logra combinar también algo de títeres y efectos de color interesantes provenientes del teatro negro, muy bien utilizados, que permiten la reflexión sin caer en los excesos.

Los cinco monólogos están muy bien cuidados, algunos clásicos, como Jorge y Pucheta y otros que van a ser una verdadera sorpresa.

Si bien son diferentes personajes, Martín Campilongo (Campi), logró que todos los monólogos y toda la obra, tuviera un hilo conductor que da una percepción de unidad a todo el espectáculo.

Este nuevo unipersonal de Campi es una cita obligada para aquellos que quieran reírse a carcajadas, durante casi una hora y media que dura el show, con los divertidos monólogos llenos de gracia, y porque no, algo de ternura. Mucho para identificarse y reírse de nosotros mismos.  Tiempo para los títeres, la magia y un poco de reflexión. 
Por Carina Polo 
Fiche técnica
Vozz en off : Raul lavie 
Música : pablo marino 
Creación de truco : Emanuel gandolfo 
Titiritera: Silvana bastias 
Puesta en escena : Ramiro Gigliotti 
Producción: Gladys Ragona 
Producción Ejecutiva: Federico. S. Ruiz 
Dirección General: Campi 
Producción General: Ezequiel Corbo

Crítica: RAIN MAN

Cuando parecía que nada podía superar la gran película, surgió la impecable puesta en escena de Alejandra Ciurlanti protagonizada por dos tremendos actores que interpretan a los hermanos Babbitt; Juan Pablo Geretto y Fabián Vena.
La obra relata el encuentro de estos hermanos a partir del fallecimiento de su padre quien le deja todos sus millones a Raymon (Geretto), su hijo autista y es Charlie (Fabián Vena) su hijo materialista, frío y manipulador quien decide realizar un viaje llevándose consigo a su hermano con una firme intención pero que irá cambiando con el pasar del tiempo.
Con un escenografía modesta y eficiente, desde un comienzo son los relojes en cada cambio de escena los que marcan el cambio a través del tiempo, como cada personaje preso de su propio ritmo y víctima de su propia realidad consigue a partir de éste nuevo vínculo darle un nuevo sentido a su vida.
Capítulo aparte merece la excelente interpretación de los protagonistas, en especial de Juan Pablo Geretto que realiza una clase magistral de actuación e histrionismo sobre el escenario, este actor Santafesino que no para de asombrarnos.
Rainman es una historia conmovedora que dará tela para cortar.  Un espectáculo que dejará a los espectadores con la boca abierta y las manos doliendo de tanto aplaudir.

Por Carina Polo

Elenco: Juan Pablo Geretto, Fabian Vena, Vanesa Maja, Ivan Moschner, Carla Pandolfi, Osvaldo Santoro Vestuario: Mónica Toschi Escenografía: Jorge Ferrari Iluminación: Eli SirlinMusicalización: niko!, Octavio Stampalia Asistencia de vestuario: María Josefina Vecchietti Asistente de producción: Silvia Oleksikiw Asistencia de dirección: Carola Goldman Producción artística: Paola Lusardi Producción ejecutiva: Juan María de Urquiza Producción general:Fernando Blanco, Paola Lusardi Dirección de Producción: Mar, Juan María de Urquiza, Amelia Ferrari, Ana Moll Dirección:Alejandra Ciurlanti
Teatro La Comedia - Rodríguez Peña 1062 CABA

Mineros

El infierno deja su rastro en la voz casi extinta de George (Hugo Arana), provocado por el carbón y el trabajo de tantos años en la mina, ese lugar de trabajo ese destino inevitable con el que conviven y del que no existe salida.
El arte es un rayo de luz bajo la tierra que los oprime día a día. Pero ¿qué es?, ¿cómo se aprecia?, ¿Es accesible para todos? Están son algunas de las preguntas que se realizaran estos cuatro mineros que un día deciden hacer un curso sobre Arte.
La historia se ubica en Inglaterra en los años 30 y un grupo de mineros que decide realizar un nuevo camino. George es el minero más antiguo y un gran sindicalista, Oliver (Dario Grandinetti) algo bohemio se ve interpelado por el arte que resignifica su vida, Harry (Juan Leyrado) un minero devenido en mecánico dental y el joven (Juan Grandinetti) aspirante a minero y sobrino de George; todos ellos ingresarán al mundo del arte de la mano de Lyon (Jorge Marrale) el profesor que los incita a pintar como modo de sentir el arte y esa experiencia modifica la vida de todos.
Mineros de Lee Hall propone una reflexión sobre el acceso al arte en particular y a la cultura en general, un cuestionamiento sobre las clases sociales y sus derechos. Vale recordar que el gran dramaturgo inglés ya había plasmado esta inquietud en “Billy Elliot” (película que fue nominada al Oscar como mejor guión).
Párrafo aparte merece la gran escenografía lograda por Alberto Negrin y la interpretación de los actores de Baraka que una vez sorprenden y deleitan a los espectadores. La química sigue intacta. Esta vez dirigidos por Javier Daulte logran conmover a la platea. Patricia Echegoyenm Juan Grandinetti y Milagros Almeida aportan también su cuota de talento en esta gran pieza teatral.

Por Carina Polo

Autor: Lee Hall
Actores: Hugo Arana, Dario Grandinetti, Juan Leirado, Jorge Marrale con Patricia Echegoyen, Juan Grandinetti, Milagros Almeida
Versión y Dirección: Javier Daulte
Productor General: Pablo Kompel
Ubicación: Teatro Metropolitan, Corrientes 1343 CABA (entradas desde $120)

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